Band 24, Heft 2

Die Zahl junger Germanisten, die in diesem Moment an einer Arbeit zu Kafkas Die Verwandlung schreiben, dürfte weltweit gesehen in die Hunderte gehen. Dem bildungsstolzen Absolventen eines humanistischen Gymnasiums fallen zu Gregor Samsa vielleicht schon vor aller Recherche Ovids Metamorphosen ein. Anderen Nachwuchswissenschaftlern ist diese Einsicht dank Theodore Ziolkowskis jüngst erschienener Monographie Ovid and the Moderns nun ebenfalls problemlos zugänglich. Wissen sie ein Register zu nutzen – und Ziolkowskis Inidices sind, wie seine Studie überhaupt, ausgezeichnet –, so können die jungen Studierenden leicht die Verbindungslinien zwischen Ovid und Kafka in ihrer Seminararbeit nachziehen und sich dabei, auch ohne systematisch zu bibliographieren, auf die wichtigste Forschung berufen: Ziolkowski hat die einschlägige Literatur (nicht nur zu Kafka) mit großer Umsicht in seinen Endnoten zusammengestellt und nachgewiesen.

Ob die Literaturwissenschaft tatsächlich begründeten Anspruch darauf erheben kann, eine Wissenschaft zu sein, ist seit ihren Anfängen strittig. Unstrittig ist hingegen, daß sie in den letzten Jahren und Jahrzehnten zumindest ein Kriterium für Wissenschaftlichkeit erfüllt: Viele literaturwissenschaftliche Veröffentlichungen sind selbst für gebildete, interessierte und kompetente Leser nicht mehr verständlich. Man mag über die Germanistik der 1950er und 1960er Jahre und ihre Protagonisten Emil Staiger, Benno von Wiese und Wolfgang Kayser denken, wie man will – ihre Veröffentlichungen waren Studienräten für Deutsch zugänglich, und sie wurden gelesen. Die nicht nur im Hinblick auf ihren Umfang (über 700 eng beschriebene Seiten) monströse Bamberger Habilitationsschrift von Oliver Jahraus gehört nicht in die Rubrik der auch nur halbpopulären Bücher. Sie bringt das Kunststück fertig, so gut wie alles über die literatur- und medienwissenschaftlichen Dispute der letzten Jahrzehnte, hingegen nichts auch nur ansatzweise Konkretes über einen oder mehrere bestimmte literarische Texte zu sagen. Nicht nur in dieser Hinsicht ist sie Luhmanns Abhandlung über Die Kunst der Gesellschaft wahlverwandt, die ja ebenfalls und anders als etwa noch Adornos Ästhetische Theorie souverän darauf verzichtet, auch nur ansatzweise die eine oder andere Gedichtzeile, die eine oder andere Dramenszene, die eine oder andere Novellenpassage zu interpretieren (um von Gemälden und Kompositionen zu schweigen).

Die Beiträge des Bandes gehen auf ein Symposion zurück, das im Jahre 2001 im Konstanz zu Ehren von Renate Lachmann veranstaltet wurde (S. 8). Renate Lachmann und ihre zahlreichen, vielfach wegweisenden Arbeiten bilden denn auch ein Zentrum der verschiedenen Beiträge aus Kunstwissenschaft, anglistischer, germanistischer, romanistischer, slavistischer und komparatistischer Literaturwissenschaft sowie aus der Kulturwissenschaft. Den anderen wichtigen Bezugsbereich bilden Gustav René Hocke und seine Hauptarbeiten zum Manierismus, denn, so die Begründung, „Renate Lachmanns Interesse galt seit jeher den Stiltypologien und besonders jener Umwertung zugunsten der ‚unklassischen‘ Traditionen, die mit den Namen Hocke und (innerhalb der Slavistik) Tschizewskij verknüpft ist“ (S. 8). Gerhart von Graevenitz postuliert in seinem Beitrag „Zur Eröffnung“ ausdrücklich: „Mit Hocke muß man anfangen“ (S. 12).

Der voluminöse Band, der eine neue Mittelalter-Reihe eröffnen soll (IEMAN), geht auf ein Paderborner Kolloquium vom Herbst 2001 zurück, das eine Bestandsaufnahme der Mediävistik zu Beginn des neuen Jahrhunderts zum Ziel hatte. Veranstaltungen dieser Art sind notwendig und nützlich, auch wenn ihr Ablauf manchmal etwas vorhersehbar scheint: Man versichert sich der eigenen Vortrefflichkeit, beklagt deren geringe Resonanz und kommt zuletzt zur Überzeugung, daß die jeweils in Frage stehende Disziplin von entscheidender Bedeutung für eine gelingende Zukunft sei. Über dieses Erwartbare geht der vorliegende Band freilich in vielem weit hinaus, zumal in den Forschungsberichten der zweiten Sektion, die für die mediävistischen Teilfächer wichtige Erträge und zukunftweisende Neuansätze bilanzieren (Lars Boje Mortensen, Horst Wenzel, Guy Halsall, Wilhelm G. Busse, Philipp W. Rosemann, Johannes Koder, Oliver Huck sowie aus der zweiten Gruppe Otto Gerhard Oexle).

Der Sammelband vereint Beiträge einer Arbeitstagung nordamerikanischer und deutscher Mediävistinnen und Mediävisten. Die umfangreiche Publikation dokumentiert jedoch nicht nur diese internationale Konferenz; indem sie eine Reihe eröffnet, manifestiert sie zugleich den Beginn eines auf Dauer und Kontinuität gestellten transkontinentalen Dialoges. Die Themenwahl für die Arbeitstagung deutet auf eine programmatische Offenheit, was das thematische, zeitliche wie methodische Spektrum betrifft. Dementsprechend heterogen gestaltet sich der Band, der jeweils sieben deutsch- und englischsprachige Beiträge enthält.

Daß das alte Buch, speziell das mittelalterliche, nicht nur Quelle zur Erstellung neuerer Editionen ist, gehört seit langem zu den Grundüberzeugungen der Geisteswissenschaften. Es ist vielmehr Zeugnis einer je spezifischen kulturellen Situation, die es in seiner Materialität (Beschreibstoff, Schrift, Buchschmuck, Einband etc.) vertritt wie auch hinsichtlich der in ihm erkennbaren zeittypischen intellektuellen wie pragmatischen Motivationen und Interessenbildungen. Das alte Buch ist deshalb auch Gegenstand einer Reihe zum Teil hochspezialisierter Disziplinen. Neben die Literatur- und Geschichtswissenschaft mit Aspekten wie Überlieferungs- und Textgeschichte, Gönnerforschung, Bibliotheksgeschichte, Wissensorganisation und Bildungsgeschichte treten etwa die Aspekte einer funktional, regional und zeitlich sich ausfächernden Schriftgeschichte (Paläographie) sowie die Kodikologie. So eigenständig in Zielsetzung und Methodik solche Disziplinen auch sind, sie treffen sich im gemeinsamen kulturhistorischen Interesse.

Der seit 1981 von Karin Lichtblau und Christa Tuczay in Zusammenarbeit mit Ulrike Hirhager und Rainer Sigl erstellte genreorientierte Motivindex – ein Forschungsprojekt der Wiener Akademie der Wissenschaften unter der Leitung Helmut Birkhans – liegt nunmehr abgeschlossen vor. Im Vorwort zum ersten Band äußert sich Birkhan erstaunlich offen über die mannigfachen Schwierigkeiten während der langen Laufzeit des Forschungsprojekts, das er nur als „Übervater“ (S. VIII) habe begleiten können (statt einer ursprünglich angestrebten aktiven Mitarbeit). Laut Aussage der Herausgeberinnen ist das Ziel des Forschungsvorhabens darauf gerichtet, einer interessierten Öffentlichkeit die deutschsprachige weltliche Erzählliteratur von den Anfängen bis 1400 anhand der maßgeblichen gedruckten Ausgaben zu präsentieren, indem zur besseren Erschließung und internationalen Vergleichbarkeit des Materials auf das Klassifikationssystem zurückgegriffen wird, das der amerikanische Folklorist Stith Thompson in seinem Motif-Index of Folk-Literature (Copenhagen 1955–1958 u. ö.) entwickelt hat.

Mit dem dritten Band liegt die großangelegte Edition der Hessischen Passionsspielgruppe vollständig vor. Sie umfaßt die Frankfurter Dirigierrolle (FD) und die drei umfangreichen Texte ( Frankfurter , Alsfelder und Heidelberger Passionsspiel [FP, AP, HP]) von der Wende des 15. zum 16. Jahrhundert, die in einem parallelisierenden Druckverfahren präsentiert werden (vgl. die Rezensionen der ersten beiden Bände, Arbitrium 21 [2003], S. 162–166).

Die in Tübingen 2001 eingereichte Dissertation macht es sich zur Aufgabe, „ein neues Kapitel im Diskurs über den Traum in der mittelalterlichen Literatur zu eröffnen“ (S. 11f.): Ein „polyperspektivischer Zugang“ (S. 13) soll Träume und Traumdeutungen in literarischen Texten auf ihre Verbindung zu dem seit der Antike bereitstehenden theoretischen Wissen hin befragbar machen. Im Zentrum der Analyse stehen drei mittelhochdeutsche Textbeispiele, doch werden die Ergebnisse immer wieder in einem gesamteuropäischen Kontext reflektiert.

Die Edition von fünf Spruchdichter-Corpora aus dem 13. Jahrhundert ist (ebenso wie die Boppe-Edition von Heidrun Alex, an deren Konzept sie sich orientiert) als Dissertation bei Joachim Heinzle entstanden. Es ist für diese Corpora die erste vollständige Edition seit von der Hagens „Minnesinger“-Anthologie, wenn auch einzelne Strophen hier und da in Textsammlungen und Einzeluntersuchungen bereits behandelt worden sind.

Die Illustrationen in Handschriften sind nicht nur für den Kunsthistoriker interessant, sondern auch für den Literaturwissenschaftler und Editor von Texten, die im Laufe ihrer Überlieferungsgeschichte eine Bebilderung erfahren haben. Das zeigt sehr schön der Band von Ulrike Spyra über die illustrierten Handschriften und Inkunabeln des Buchs der Natur von Konrad von Megenberg. Das um 1350 in der Volkssprache verfaßte und mit über 140 erhaltenen Handschriften äußerst erfolgreiche Werk wird erst ungefähr hundert Jahre nach seiner Entstehung und nur in wenigen Codices illustriert. Die Autorin präsentiert systematisch den Befund und sucht nach Gründen für die späte Bebilderung sowie nach den Modellen und Vorlagen, aus denen die Illustratoren geschöpft haben. Ihre Leitfrage ist die nach der Rezeption und Gebrauchsfunktion des Buchs der Natur ab dem fünfzehnten Jahrhundert; daneben stellt sie auch Mutmaßungen über die ursprünglichen Intentionen des Autors an.

Der Aufschwung, den die deutschsprachige Forschung zum rinascimentalen Dialog seit einiger Zeit zu nehmen scheint, wird – es sei sogleich gesagt – durch den hier vorgelegten Band entschieden befördert. In ihrer Einleitung (S. 7–16) betonen die Herausgeber zunächst die Existenz unterschiedlicher dialogischer Formen (Disputation, Kolloquium, Katechismus usw.) bereits im Mittelalter, setzen hinsichtlich des Übergangs zur Renaissance dann aber in überzeugender Weise den Akzent eher auf den epochalen Bruch als auf eine etwaige Kontinuität der literarischen Form. Anders als das Mittelalter sei die Renaissance geradezu eine „dialogische Kulturepoche“, in der „das Dialogische“ alle Bereiche sprachlichen Kommunizierens „von Lehr- und Sachtexten bis zur politischen, religiösen und philosophischen Argumentation“ kennzeichne (S. 7).

Lange Zeit – eigentlich bis in die Gegenwart hinein – wurden Stammbücher in erster Linie als umfangreiche Sammlungen von Textzeugnissen der Gelehrten- und Personengeschichte oder auch als Überlieferungsträger von Miniaturen und heraldischer (Selbst-)repräsentation wahrgenommen. Die in den Alben versammelten Autographe dienten der Forschung vorrangig zu prosopographischen Zwecken, sofern nicht die zum Teil aufwendigen bildlichen Beigaben und die adligen und frühbürgerlichen Wappeneinzeichnungen im Zentrum des Interesses standen. Den kaum zu überschätzenden kulturhistorischen Wert der Stammbuchsitte gilt es jedoch angesichts des cultural turn der Philologien und Geschichtswissenschaften erst noch zu entdecken.

Mit dem vorliegenden Sammelwerk wird die Folge der in der Schriftenreihe Frühe Neuzeit erschienenen Gemeinschaftswerke zur Kulturgeschichte in Pommern und Ostpreußen fortgesetzt. Der Band enthält 27 Beiträge von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern aus Estland und Lettland, aus Schweden, Großbritannien und Deutschland. Die Arbeiten stammen teils aus Referaten, die im Jahre 1997 auf dem in Göttingen veranstalteten Kongreß „Das Baltikum in Europa“ aus Anlaß des fünfzigjährigen Bestehens der Baltischen Historischen Kommission vorgetragen worden sind, teils aus Vorträgen, die auf dem 53. Baltischen Historikertreffen (2000) gehalten wurden, einige Beiträge haben deutsche und baltische Autoren eigens für den Sammelband verfaßt. Zum Zeichen des Andenkens an die im Jahre 1997 verstorbene Tallinner Buch- und Bibliothekswissenschaftlerin Kyra Robert wurde ihre nachgelassene Studie über eine Gelehrtenbibliothek aus dem 17. Jahrhundert in deutscher Übersetzung in den Band aufgenommen.

Mit Transformationen der Rhetorik legt Dietmar Till seine 2002 an der Neuphilologischen Fakultät der Universität Tübingen eingereichte Dissertation in einer überarbeiteten Fassung vor. Im Zentrum der Studie steht die Entwicklung der deutschsprachigen Rhetoriktheorie in der Aufklärungsepoche, wobei Till für eine zeitgemäße Rekonstruktion des Literaturbetriebes auch Texte aus dem weiteren westeuropäischen Umfeld heranzieht.

In seiner theoretisch ausgefeilten Studie nimmt Jörg Wesche sich vor, die Wechselwirkungen zwischen Poesie und Poetik der Frühen Neuzeit aufzuzeigen: Nicht ist es vorerst die Poetik Opitzianischer Provenienz, die durch Normierungen Einfluß auf die Schreibpraxis nimmt: Die Poesie selbst füllt produktiv die Lücken der Poetiken, das, was sie ‚nicht‘ lehren. Anhand exemplarischer Untersuchungen von Epigrammen, Sonetten und Reyen der barocken Tragödie beobachtet Wesche, wie sich die Dichtung ‚Spielräume‘ der Gestaltung eröffnet. Die Poetiken der nachopitzianischen Ära wiederum reagieren auf die literarische Diversität der Dichtung zwar einerseits durch Bändigungsstrategien, andererseits durch implizite Eröffnung weiterer Spielräume. Den Fluchtpunkt bildet die anonyme Breslauer Anleitung (1725) beziehungsweise Gottscheds Versuch einer Critischen Dichtkunst vor die Deutschen (1730). Wesche nimmt sich vor, das seit den 1970er Jahren ‚stark auf Ordnungen fixierte Barockbild‘ in Frage zu stellen beziehungsweise zu korrigieren (S. 7), indem er „bidirektionale Kausalitätsverhältnisse“ (S. 289) zwischen Poesie und Poetik nachzuweisen sucht.

Unter der Perspektive „der Wiedergewinnung einer Einheit von Gegenstand und ganzheitlichem wissenschaftlichem Zugang“ (S. VII) arbeiten die Herausgeber auf die Überwindung der Trennung von Natur- und Geisteswissenschaften hin. Sie sehen die Aktualität der Anthropologie der Aufklärung darin, daß in ihr „diese Einheit vorausgesetzt wurde“ (ebd.). Aus einer heutigen, von der Entwicklung der Neurowissenschaften geprägten Sicht stellen sie demgemäß die Lehre vom ‚commercium mentis et corporis‘ ins Zentrum.

Die Geschichte der Physiognomik und ihrer vielfältigen und weitreichenden Einflüsse beziehungsweise Reflexe in der Kultur der Moderne seit dem ausgehenden 18. Jahrhundert haben sich in den letzten 15 Jahren eines regen Forschungsinteresses erfreut. Vor allem kulturanthropologische, aber auch wissenschaftsgeschichtliche Studien haben physiognomische Praxis und Denken als mit grundlegenden Strukturen westlicher Kultur verbunden erwiesen. Dies gilt sowohl für Sammelbände, die eher literaturwissenschaftlich ausgerichtet sind, als auch für solche, die dezidiert einen allgemeineren kulturwissenschaftlichen Fokus aufweisen beziehungsweise sich den Verflechtungen mit den Wissenschaften verschrieben haben. In dieses detailliert und gut erschlossene Forschungsfeld hat sich Richard T. Gray mit seiner umfangreichen Studie begeben, welche die Reihe der prominenten Arbeiten aus dem angloamerikanischen Raum zur Problematik der Physiognomik fortsetzt. Gray umreißt dabei mit seiner Monographie zeitlich fast vollständig den Bereich der modernen Physiognomik, indem er ihren Weg im „German Physiognomic Thought from Lavater to Auschwitz“ beschreibt. Ihn leitet das spezifische Interesse an der Frage, „why physiognomic theory enjoyed such uncommon vitality in the sociocultural and intellectual atmosphere of modern Germany in particular“ (S. XIX). Dabei erkennt er die strategische Funktion der Physiognomik in ihrer Eignung als angewandte Hermeneutik, also als spezifische interpretative Praxis im Dienste von Nationalismus und Rassismus (S. XXII).

Das Werk Wilhelm Heinses ist seit der verdienstvollen, aber längst zu den Rara der Bibliotheken gewordenen 13bändigen Ausgabe von Carl Schüddekopf, erschienen 1902 bis 1925, jahrzehntelang unterrepräsentiert gewesen. Außer der vielfach bewährten Studienausgabe des Ardinghello -Romans, besorgt von Max L. Baeumer, hatten es seine Texte schwer, denn verschiedentlich unternommene Anläufe einer neuen Gesamtausgabe blieben stecken. Um so begrüßenswerter – und durchaus im Tonfall der Begeisterung – ist zuerst der Mut und ihm folgend die erstaunliche Tatsache, den gesamten Nachlaß Heinses, seine in der Stadt- und Universitätsbibliothek Frankfurt/ Main lagernden Aufzeichnungen in einem Umfang von 7600 handschriftlichen Seiten zu drucken und zu kommentieren. Was in Schüddekopfs Ausgabe in drei Bänden (herausgegeben von Albert Leitzmann) in sehr verkürzter Form vorgelegt wurde, steht nun in einer bis ins Einzelne transparenten Weise ungekürzt zur Verfügung; während der Gewinn des Umfangs im mindestens doppelten, vielleicht gar dreifachen Bereich liegen mag, lassen sich die Verbesserungen in der Genauigkeit der Überlieferung gar nicht bemessen, und der gesamte Kommentar ist nun erst hinzugekommen, der dieses riesige Material erschließt. Waren die Textbände schon zu Heinses 200. Todestag 2003 erschienen, so folgten nun drei Kommentarbände, deren Leistungen höchste Anerkennung verlangen: Sie lassen sich auf wenigen Seiten auch nicht annäherungsweise würdigen.

Während die Beurteilung literarischer Werke im Feuilleton der heutigen Tagespresse kaum an bestimmte methodische oder stilistische Regeln gebunden ist und auf dem persönlichen Geschmack des Rezensenten basiert, ist wissenschaftliche Kritik methodisch weitgehend normiert: Sie soll über ein Werk informieren, es in einen Forschungskontext stellen, den Erkenntnisfortschritt darlegen und die Argumente des Verfassers beurteilen. Die Wurzeln einer so verstandenen Buchkritik liegen in der Aufklärung, deren wirkungsmächtige Leitgedanken Vernunft, Kritik und Öffentlichkeit hießen. Integriert wurden diese drei Konzepte am deutlichsten in einer spezifischen Textsorte, in Rezensionen, die zum formalem Merkmal wissenschaftlichen Handelns wurden. Besonders in den langlebigen zeitgenössischen allgemeinwissenschaftlichen Rezensionsjournalen Allgemeine Deutsche Bibliothek und Allgemeine Literatur-Zeitung avancierten die ursprünglich, seit dem 17. Jahrhundert, rein referierend abgefaßten Literaturberichte in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu inhaltlich urteilenden Abhandlungen, in denen der wissenschaftliche Diskurs oftmals weiter geführt wurde und über die Betrachtung des Einzelwerks hinausging.

Das Theater im Roman des 18. und 19. Jahrhunderts ist ein fester Topos und bildet einen wesentlichen Bestandteil der Geschichte des Bildungsromans. Hee-Ju Kims Studie erweitert das auf den Komplex von Identität und Theater ausgerichtete Interpretationsspektrum anhand von Karl Philipp Moritz' Anton Reiser : Das zentrale Thema dieses Romans ist demnach nicht bloß ‚Theater‘ als Institution, sondern inszenierte ‚Theatralität‘ als identitätskonstituierende Metapher. Reisers Sozialisation wird als Prozeß begriffen, in dem sich die im 18. Jahrhundert vieldiskutierte Sein/ Schein-Thematik pathologisch abbildet. Moritz' theoretisches Programm weist dabei manche Ähnlichkeit zur Erzählstruktur des Romans auf, in dem die Handlung (Schauspiel) durch einen reflektierenden und deutenden Erzähler (Zuschauer) vermittelt wird.

Der vorliegende Band entstammt einem interdisziplinären Projekt der Berlin- Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften, das die kulturelle Blüte Berlins zwischen 1786 und 1815 als erste deutsche Großstadtkultur – und zugleich als genuine Alternative zum Verdichtungsraum Weimar-Jena – zu rekonstruieren versucht. In der Tat ist wohl kaum ein intellektueller Spielmacher dieser Epoche geeigneter, Berlin als Verhandlungsort der entscheidenden Diskurse des klassisch-romantischen Zeitalters auszuweisen, als der nachitalienische Moritz: als Mitglied der Akademie zwischen Autonomieästhetik und angewandter Kunst; als Sprachtheoretiker und -lehrer im Spannungsfeld einer multiethnischen und multilingualen Metropole; als psychologischer, ästhetischer und philosophischer Publizist im Moment der Neucodierung der Journalistik und schließlich als Protagonist auf der gesellschaftlichen Bühne einer Stadt, deren polyzentrische Organisation eine ganz neue Pluralität sozialer Konfigurationen aufweist – in all diesen Momenten ist er Zeuge und Akteur einer Metropolenkultur, die im historischen Augenblick ihrer Konstitution zugleich eine äußerst wache Selbstbeobachtung entwickelt. Zugleich ist Karl Philipp Moritz nach seiner Italienreise (1786–1788) als Konzeptualist der Autonomieästhetik auch für Goethe und Schiller der entscheidende Gewährsmann in der Neubestimmung der Aufgaben und Grenzen der Kunst.

Lessings singuläre Reputation in der Komödienforschung, sein Ruf, die deutsche Komödie erstmals auf europäisches Niveau gehoben und ihr wie kein anderer Autor des 18. Jahrhunderts Witz und Charaktertiefe, spielerische Turbulenz und zeitgeschichtlichen Gehalt verliehen zu haben, beruht im Grunde auf einem einzigen Stück, Minna von Barnhelm . Darüber hinaus haben neuerdings einige Jugendlustspiele stärkere Beachtung gefunden, denn sie ersetzen die gattungsnormative Lastersatire durch eine Vorurteilskritik, die sich als weltbildliche Modernisierung interpretieren läßt, weil sie von einer Moral in zu befolgenden Sätzen zu einer Moralität übergeht, die Normen zu problematisieren imstande ist. Vollständig sind Lessings gut ein Dutzend Komödien und Komödienbearbeitungen sowie seine über zwei Jahrzehnte verstreuten poetologischen Überlegungen aber noch nie behandelt worden.

Christina Reuter legt die Ergebnisse einer Untersuchung über einen bisher wenig erforschten Aspekt des Schaffens Johann Georg Hamanns vor, eine hochwissenschaftliche Analyse (von der Philosophischen Fakultät der Universität Zürich im Sommersemester 2004 auf Antrag von Alois M. Haas und Pierre Bühler als Dissertation angenommen), die den Leser durch beneidenswerte Klarheit, erschöpfende Vollständigkeit und bestechende stilistische Eleganz sofort in ihren Bann zieht. Reuter selbst kündigt an: „Von ihm und seiner Autorschaft, welche ganz vom Gedanken an Gottes Kondeszendenz, Gottes Herunterlassung zu den Menschen, bestimmt ist, handelt die vorliegende Arbeit.“ (S. 1)

Die Erforschung der Zeitschriften des 18. Jahrhunderts hat in den letzten Jahren wichtige Impulse erhalten. Nicht nur wurde die allgemeine inhaltliche Erschließung durch Großprojekte wie den Göttinger Index deutschsprachiger Zeitschriften 1750 – 1815 (1997 publiziert; ein Index zu Rezensionszeitschriften ist noch im Aufbau) und die Digitalisierung von Zeitschriften der Aufklärung an der Universität Bielefeld (seit 2000) vorangetrieben. Einzelne Zeitschriften wurden darüber hinaus Gegenstand ausführlicher Spezialstudien; so nahm zum Beispiel Ute Schneider in einer 1995 erschienen Monographie Nicolais Allgemeine Deutsche Bibliothek als „Integrationsmedium der Gelehrtenrepublik“ in den Blick. Bei der Untersuchung weiterer zentraler Organe der Publizistik des späten 18. Jahrhunderts hat sich in jüngster Zeit vor allem der DFG-Sonderforschungsbereich 482 „Ereignis Weimar – Jena. Kultur um 1800“ mit einer Folge von Aufsatzsammlungen hervorgetan: 2003 thematisierte ein von Andrea Heinz herausgegebener Sammelband Wielands Teutschen Merkur als „Kulturzeitschrift“, 2004 erschienen die beiden hier anzuzeigenden Bände, von denen der zuerst genannte die Beiträge einer gleichnamigen Tagung des SFB versammelt, die im Juni 2000 an der Universität Jena stattfand.

Fast 20000 Briefe an Goethe von rund 3500 Absendern sind erhalten, so viele wie an keinen anderen deutschsprachigen Schriftsteller, ja so viele wie an keine andere geschichtliche Person. Etwa die Hälfte davon ist inzwischen im Druck erschienen. Außerdem sind 14500 Briefe von Goethe erhalten; sie füllen in der Weimarer (Sophien-)Ausgabe 53 Bände. Die Goethe-Philologie ist ein großartiges Bruchstück, das Größe wie Grenzen der Nachwirkung Goethes veranschaulicht. Eine gültige historisch-kritische Gesamtausgabe – am besten begleitet durch eine gute ‚Leseausgabe‘ – gibt es nicht, statt dessen einen Wettstreit verschiedener ‚Studienausgaben‘. Goethes Tagebücher und seine Briefe – Abteilungen drei und vier der Weimarer Ausgabe, aber nicht der Kern seines Werkes – erscheinen auf historisch-kritischer Grundlage nun neu (das Tagebuch reicht inzwischen bis 1808, der erste Doppelband der Briefe ist für 2007 vorgesehen), eine entsprechende Ausgabe der Werke ist freilich nicht in Sicht. Sie kann später auf diese Ausgaben aufbauen.

Hauptanliegen der vorliegenden Studie ist es, einen neuen Blick auf die Kunsttheorie der Weimarer Klassik zu werfen, um hinter dem Klischee einer in „edler Einfalt und stiller Größe“ versteinerten Kunstlehre eine dynamische Ästhetik erkennbar werden zu lassen, die die Darstellung von Pathos, Ausdruck und Bewegung keineswegs ausschließt, sondern als konstruktiven Bestandteil klassizistischer Kunstpraxis begreift. Zu diesem Zweck wird eine Reihe von kunsttheoretischen Schriften aus dem Weimarer Kreis untersucht, die nicht nur chronologisch – sie wurden alle innerhalb des Dezenniums 1796–1806 verfaßt –, sondern auch gedanklich eng miteinander verbunden sind.

„Rechtsfälle sind Ereignisse – gedachte oder wirkliche – wobey Rechte und Verbindlichkeiten in Frage, und Gesetze und Normen, welche jene bestimmen, in Anwendung kommen“. Eleganter kann man nicht ausdrücken, daß Ort und Wirklichkeit eines rechtlichen Konflikts der Text ist, in dem er als solcher bezeichnet wird. „Der Richter, der Staatsmann und Psycholog – jeder muß wissen, wo er seine Materialien zu finden habe; und Rechtsfälle können ihnen allen – bedeutenden Stoff liefern […]“. In der Zeit vor der Wende zum 19. Jahrhundert steigt der Bedarf nach Wissen über den Menschen nicht nur bei Juristen, sondern auch bei den Beobachtern der Justiz. Intensität und Geschwindigkeit der Wissenszirkulation erhöhen sich; Literatur produziert ‚aktenmäßige‘ und fiktionale Rechtsfälle, aus denen Juristen und Nicht-Juristen Deutungsperspektiven beziehen. Friedrich Schiller hat 1792 dem lesenden Publikum eine deutsche Bearbeitung von Fällen des Gayot de Pitaval nicht bloß als „angenehme Beschäftigung“ ans Herz gelegt, sondern vor allem im Hinblick darauf, daß der „umständliche Rechtsgang die geheimen Bewegursachen menschlicher Handlungen weit mehr ins klare zu bringen fähig ist, als es sonst geschieht […]“. Es ist nicht die „vollständigste Geschichtserzählung“, die dies leistet, sondern die mediale Form, der „Kriminalprozeß“, die das „Innerste der Gedanken […] an den Tag bringt“. Aber der Prozeß läuft in der Regel nicht vor unseren Augen in der Verhandlung oder in den Protokollen ab, er findet sich vielmehr in literarischen Beund Verarbeitungen, in denen die Durchlässigkeit der Grenze zwischen dem ‚Gedachten‘ und dem ‚Wirklichen‘ spürbar wird. Vor diesem Hintergrund entsteht eine Poetik der ‚wahren Geschichten‘, die sich immer wieder auf Schillers Reflexionen beziehen kann.

Zwischen Friedrich Schiller (1759–1805) und seinem elf Jahre jüngeren württembergischen Landsmann Friedrich Hölderlin (1770–1843) gab es, zumindest in den Jahren 1793–1795, eine enge Verbindung. Schiller förderte den jungen Hölderlin zunächst entscheidend: Er vermittelte die erste Hofmeisterstelle bei Charlotte von Kalb in Waltershausen, er druckte in der von ihm herausgegebenen Zeitschrift Thalia das Fragment von Hyperion (1794) ab, und er stellte die Verbindung zu Cotta her, der den Hyperion -Roman (1797/1799) in Verlag nahm. Zudem war Schiller einer der wichtigsten Gesprächspartner Hölderlins, als sich dieser im Wintersemester 1794/1795 in Jena aufhielt. Eine Verbindung zwischen beiden Dichtern bestand nicht nur auf persönlicher, sondern auch auf philosophischer Ebene: In seinen ästhetischen Schriften greift Hölderlin Probleme auf, die er in Schillers Schriften als nicht abschließend gelöst ansieht, um sie sodann selbst weiterzuentwickeln. So beabsichtigt er zum einen, in Anlehnung an Schillers Über die ästhetische Erziehung des Menschen in einer Reihe von Briefen (1795) „Neue Briefe über die ästhetische Erziehung des Menschen“ zu schreiben, zum anderen nimmt Hölderlins objektive Bestimmung des Schönen in der Vorrede zur vorletzten Hyperion -Fassung (1795) ihren Ausgang in dem Plan, eine „Analyse des Schönen und Erhabnen“ vorlegen zu wollen, „wie es schon Schiller zum Theil in s. Schrift über Anmuth und Würde gethan“ habe, dabei jedoch „einen Schritt weniger über die Kantische Gränzlinie gewagt“ habe, als es Hölderlin selbst vorschwebe.

Der hart gefügte Haupttitel Kleist. Die Magie führt irre: Die Rede gilt keineswegs Kleist und der Magie, sei es der magia naturalis oder der magia illicita , eben jenem etwa von L. Thorndike oder W.-E. Peuckert umrissenen Großbezirk medizinisch-naturkundlichen Strebens, sondern Kleists Alchemie. Darüber belehrt bereits das Inhaltsverzeichnis, gespickt mit alchemischen Fachtermini, die heute durchaus auch Ungebildeten unter den Verächtern der Alchemie vertraut sind, angestammten Termini etwa für Arkansubstanzen („Mercurius“, „Mercurius Duplex“, „Lapis“, „Stein“), Geräte („Crucibulum“, „Schmelztiegel“), chemisch-physikalische Vorgänge („Gold aus Blei“, „Transmutation“, „Kohabitationen“, „Conjunctio“, „Chymische Hochzeit“), ferner für Farberscheinungen („Weiß-Schwarz-Rot-Gelb“) und bestimmte Zustände in der Stoffeswelt („Chaos“) oder Substanz- beziehungsweise Prinzipien-Personifikationen („Rex“, „Regina“). Bildwiedergaben, hauptsächlich Illustrationen aus Alchemica des 15. bis 18. Jahrhunderts, bestätigen, daß hier unter „Magie“ ein Synonym für „Alchemie“ verstanden worden ist. Unser Ergebnis flüchtigen Schnupperns wird bei genauerem Lesen nur insofern modifiziert, als Brüggemann in seinem „Prolog“ (S. 9–17: „Kleists Alchemie“) „Alchemie“ beziehungsweise die „uralte hermetische Tradition der Alchemie“ ausdrücklich mit der „weißen [liciten] Magie“, vorab aber mit „Hermetik“ (auch: „hermetische Philosophie“) identifiziert und in Kleist einen „Hermetiker“ erblickt, der aufgrund seiner „alchemistischen Kenntnisse“ (S. 15) den „genuinen Prozess der Labor-Alchemie […] jeweils […] akribisch seinen Werken zugrundegelegt“, in seiner Dichtung „der Struktur des Opus alchymicum nachgearbeitet“ habe (S. 16).

Der Titel zitiert Friedrich Schlegels Charakterisierung der Arabeske. „Witzige Spielgemälde“ als Arabesken inszenierte Schlegel selbst in seinem „verwilderten Roman“ Lucinde , auch ihre Theoretisierung stellte er in den Kontext des Romans unter dem Titel „Brief über den Roman“. Aus diesem Zusammenhang mit dem Roman überträgt Scherer den Ausdruck auf die Gattung des Dramas, setzt dem Gegenstand seiner Untersuchung gleichsam „fremde Federn“ auf, Straußfedern (nach der Zeitschrift, die der junge Tieck bediente). Der Titel enthält so ein Programm. Es folgt erstens dem romantischen Konzept der Universalpoesie, nach der das Drama sowohl als „angewandter Roman“ zu verstehen ist, als auch – umgekehrt – als die „wahre Grundlage eines Romans“. Zweitens reflektiert der Titel den gegenwärtigen Forschungsstand, den nach Scherer ein Primat der Prosaanalyse kennzeichnet, das heißt die vor allem auf dem Gebiet der Prosa entwickelten neueren Forschungsergebnisse werden für das Drama aktualisiert und somit der Stand der Forschung selbst kontrolliert. Aus dieser „Selbstprogrammierung“ der Tieck-Rezeption ergibt sich drittens die Evidenz des Titels gemäß seiner drei ineinander verspiegelten Bedeutungshöfe: der romantischen Kategorien Witz und Spiel sowie des Schlegelschen Begriffs vom Gemälde, der auf einen komplexen Zusammenhang, Universalität abzielt. Dem Universalroman korrespondiert das Universaldrama.

Grenzüberschreitungen gehören zum Kernbestand der romantischen Literatur. Sie sind die Voraussetzung für die von Friedrich Schlegel geforderte Mischung und Verschmelzung aller Lebens-, Kunst- und Geistesfelder in der Poesie. Neben den experimentellen Märchendramen Ludwig Tiecks, Schlegels Lucinde und Novalis' Heinrich von Ofterdingen gehört Clemens Brentanos ‚verwilderter Roman‘ Godwi zu den kanonischen Demonstrationsobjekten der Romantikforschung. An ihnen wurden wiederholt Gestalt und Gehalt der ‚progressiven Universalpoesie‘ untersucht. Die mythologische Figur des Androgynen, der in sich nicht nur die beiden Geschlechter vereint, sondern auch die Trennung der Geschlechter aufhebt, rührt dabei in besonderer Weise an Grenzen sprachlicher Darstellbarkeit. So changieren Pronominalisierungen und Namen zwangsläufig, wenn sie auf Androgyne verweisen. Auf Kosten eindeutiger Denotation eröffnet sich ein unabschließbarer Deutungsraum des Sowohl-als-auch, der kongenial mit der ‚progressiven Universalpoesie‘ korrespondiert. So verwundert es nicht, daß die verwirrende Geschlechterverschmelzung, die auf die Poesie zurückwirkt, auf die Romantiker eine besondere Anziehung ausübte. Androgyne Gestalten, denen Goethes geheimnisvolle Mignon oft zum Muster diente, gehören zum festen Personal romantischer Literatur.

Bereits dem Blick auf das noch unaufgeschlagene Buch präsentiert sich Bettine Menkes Studie zu Stimme und Text in Romantik und Moderne, zu „sprechenden Steinen“ und einer „singenden Maus“ (S. 7), als emblematisch gefaßtes Monument ihres eigenen wissenschaftlichen Projekts: Mit dem Namen der rhetorischen Gedankenfigur „Prosopopoiia“ (etymologisch: ein Gesicht geben , rhetorisch: Nicht-Personalem eine Stimme geben ) ist das Buch überschrieben; den Umschlag ziert ein Stich des Memnonkolosses im ägyptischen Theben, von dem schon die deutschen Barockdichter wußten, daß er im Lichte der aufgehenden Sonne zu klingen begann; und Menkes Text schließlich setzt sich an die Stelle der subscriptio . Daß dieser Text mit seinen 850 Seiten Umfang und seinen 1,31 kg Gewicht selbst einen jener Steine verkörpert, deren Sprechen-Machen er als „romantische Figur der Lesbarkeit“ (S. 8) diskutiert, scheint dabei zunächst von einer höchst sympathischen Selbstironie zu zeugen.

Nikolaus Lenau, geboren und aufgewachsen im deutschsprachigen (seit 1919 rumänischen) Ungarn, verbrachte die längste Zeit seines Lebens in Österreich, in seinen letzten 20 Lebensjahren zum Teil auch in Deutschland. Sein Werk spielte und spielt in der ‚deutschen‘ Literatur eine wichtige Rolle. Die Tatsache, daß man sich lange Zeit – gelegentlich noch in jüngster Vergangenheit – heftig darum stritt, der Literatur welchen Landes er zugehöre, zeugt von nationalistischem Eifer und (im letzten halben Jahrhundert) von übertriebener ‚political correctness‘, aber doch wohl auch davon, daß sein Werk für wert erachtet wird, um seinen ‚Besitz‘ zu kämpfen.

Der historische Roman, ein vermeintlich traditionelles Genre, teils schwerfällig, weil es politischparteiliche Interessen verfolgt und wissenschaftlichen Erwartungen genügen will, teils leichtsinnig unterhaltend, indem es vergegenwärtigt und veranschaulicht, um das rasche Eintauchen in eine vergangene, unverfügbare oder fremde Welt zu ermöglichen, hat in den letzten zehn Jahren wiederholt das Forschungsinteresse auf sich gezogen. Noch fehlt (seit Lukács' veralteter Monographie) eine Gesamtdarstellung, die den gattungsgeschichtlichen Verlauf von ihrem Beginn (bei Walter Scott oder besser noch früher bei Benedikte Naubert) bis zur Gegenwart – sei es komparatistisch, sei es auch nur für die deutschsprachige Literatur – erfaßt. Aber es gibt eine Reihe von Einzelstudien, die das vertraute Genre in neuem Licht erscheinen lassen. Dazu gehören neuerdings Arbeiten zur Präsenz der Form in Moderne und Gegenwart, die zeigen, wie sich eine vermeintlich dem 19. Jahrhundert verschriebene Gattung wandeln, differenzieren, erneuern oder umkehren kann (Durrani / Preece 2001, Bobinac u. a. 2004), dazu gehören auch Untersuchungen über Einheit und Pluralität der Prototypen (Lampart 2002) sowie Analysen der ästhetischen, literarischen und narrativen Verfahren in der Historiographie (Fulda 1996), die das Verhältnis von Ästhetik, Roman und Geschichtswissenschaft präzisieren. Schließlich kommt der Erforschung des historischen Romans die allgemeine literaturwissenschaftliche Erfahrung zugute, daß es sich lohnt, Unterhaltungsliteratur nicht nur nach literatursoziologischen oder ideologiekritischen, sondern nach sowohl allgemein kulturgeschichtlichen als auch speziell ästhetischen Gesichtspunkten zu erkunden.

Zu den spannendsten Themen einer kultur- und problemgeschichtlich orientierten Literaturwissenschaft gehört die Erforschung der Funktion, welche okkulte Strömungen für die Literatur der klassischen Moderne haben. Die Agenda ist mit Friedhelm Wilhelm Fischers Aufsatz über die gnostischen Gedankenmotive symbolistischer Dichtung vorgegeben, welcher der dichterischen Sprache inhaltliche Referenzen da „unterschob“, wo Hugo Friedrich den Weg in die „absolute Poesie“ beschritten sah. Eine ähnliche Konstellation ergibt sich heute, wenn die „Mystik der Moderne“ einerseits mit dekonstruktivistischen Theoremen in Verbindung gebracht wird (Wagner- Egelhaaf) und man andererseits ihre problemgeschichtliche Konturierung verfeinert. Etabliert ist das Thema im Bereich der bildenden Kunst durch Veit Loers Ausstellung „Okkultismus und Avantgarde“ – noch fehlt das Pendant, das ähnlich facettenreich und umfassend die Verknüpfungen zwischen der literarischen Avantgarde und der Okkultismus-Welle untersuchte. Einen Baustein zu diesem Projekt will Priska Pytlik mit ihrem Buch, das im Jahre 2003 als Dissertation an der Universität Regensburg eingereicht wurde, liefern. Spiritismus und Okkultismus sollen als kulturgeschichtliche Phänomene von großer Breitenwirkung transparent gemacht und ihre Bedeutung für die Poetologie und Ästhetik der literarischen Moderne erschlossen werden. Ziel der Studie ist dabei, den Okkultismus nicht nur als antimoderne Reaktion zu fassen, sondern als konstitutives und integrierendes Motiv der Moderne zu verstehen.

Kaum ein moderner Autor hat sich in seinem Schreiben der Auflösung der anthropozentrischen Perspektive durch die positive Wissenschaft derart intensiv ausgesetzt wie Franz Kafka. Die beiden folgenden Verfahrensmaßregeln, die Kafka seinen Lesern/Beobachtern hinterlassen hat, bezeichnen daher nicht nur den Fokus und den Anti-Fokus des hier zu besprechenden Buches, sondern sie sprechen von den Angelpunkten des Kafkaschen Schreibkontinents: „[E]s sind Lichtblicke in eine unendliche Verwirrung hinein und man muß schon sehr nahe herantreten, um etwas zu sehn“. – „Grüße alle und besonders auch Deine Frau vom Tartuff. Sie hat keinen schlechten Blick, aber zu koncentriert, sie sieht nur den Kern; den Ausstrahlungen zu folgen, die ja eben den Kern fliehen, ist ihr zu mühsam.“

Diese Dissertation behandelt auf Rückkopplung und Selbststeuerung beruhende Denkmodelle in den Lebenswissenschaften, der Anthropologie (Max Scheler, Helmuth Plessner und Arnold Gehlen) und der Literatur (Rainer Maria Rilke, Alfred Döblin und Ernst Jünger). Die Studie setzt bei der Überlegung an, daß es im 20. Jahrhundert eine Umstellung des Lebensbegriffs von der Suche nach dem Wesen des Lebendigen hin zur Steuerung der Lebensprozesse gegeben habe (vgl. S. 9). In diesem Sinn bezeichnet Bühler „eine sich selbstkonstituierende, -regulierende und -steuernde Ganzheit“ (S. 10) als „lebenden Körper“. Diesen Vorstellungskomplex will Bühler gemäß Joseph Vogls „Poetologie des Wissens“ (S. 9) als „Wissensfigur“ auffassen, in verschiedenen Textsorten aufdecken und anhand der Dichtung seine kontingente „Rhetorizität“ (S. 168 und 182) erweisen.

Ausgangspunkt der Textanalysen in Liane Schüllers Dissertation ist das Auftauchen eines neuen Frauentypus in der Weimarer Republik, der mit den Stichworten Seidenstrumpf, Bubikopf und Angestelltenkultur charakterisiert und unter dem Namen ‚Neue Frau‘ rubriziert worden ist. Dieses historische und kulturelle Phänomen in seiner literarischen Spiegelung, Bearbeitung und Verfälschung zu verfolgen, ist das erklärte Anliegen Schüllers. Eher als auf den titelgebenden Ernst der Zerstreuung oder das Ende der Weimarer Republik fokussiert sich die Fragestellung des Buches auf das Phänomen [s]chreibende Frauen in Gestalt von Autorinnen und Stenotypistinnen(-figuren). Deren „Gesellschaftliche Positionierung zwischen emanzipatorischem Anspruch und Ohnmacht“ – so der Titel des ersten Teils der Studie – steht im Zentrum der Untersuchung, die methodisch eher an einer feministischen Literaturwissenschaft denn an Gender Studies orientiert ist. Gefragt wird nach dem Verhältnis von Bild und Wirklichkeit, von Text und sozialer Realität; ein informierter historischer Abriß zur politischen, ökonomischen und kulturellen Situation der Frau in der Weimarer Republik wird daher den Textlektüren vorangestellt.

Die Oldenburger Dissertation ist um eine Akzentuierung der Ausnahmeposition der Figur Castorp innerhalb der Konfiguration von Thomas Manns Zauberberg bemüht und bedient sich dabei ausdrücklich der Methode der werkimmanenten Deutung. Die älteren, durch den Autor gestützten Deutungsparadigmen, die Castorp als Helden eines Bildungsromans oder als ‚quester hero‘ sehen wollten, werden dabei nicht berührt, obgleich dem Leser die Wahrnehmung einer methodischen Trennschärfe schwerfällt. Gloystein versucht die „Stringenz des Romans“ (S. 11) über die Analyse von Leitmotivik und leitender Begrifflichkeit nachzuweisen. Besser wäre von Leitvokabular („Inkorrektheit“, „Idee des Unbedingten“, „absoluter Geist“, „Steigerung“) zu sprechen, das ein „geschlossene[s] Bedeutungssystem“ (S. 19) erzeuge und aus dem Gloystein einen Weg Castorps vom ‚Tod‘ zum ‚Leben‘ rekonstruiert, der diesen über Ziemßen, Naphta, Behrens und Settembrini hinausragen lasse – letztere blieben alle der Welt des Todes verhaftet.

The picture on the book cover of a nude female Pygmalion embracing the statue of a male torso aptly illustrates the controversial nature of positions on authorship. The book thus enters the current debate, initiated by Roland Barthes in 1968 with his declaration of the Death of the Author and by Michel Foucault the following year in his essay What is an Author? By postulating the “author-function” as a product of socially-determined structures rather than of individuals, structuralism threw into question the notion of human agency and its attendant biographical approach to literature. On that basis Amstutz investigates concepts of authorship that she finds present in the literary works themselves. The question is, “inwiefern literarische Texte selbst das Verhältnis Autorschaft und Werk gestalten” (p. 1). The primary contribution of the book is a study of the nuanced positions on authorship in the works of three authors, namely Robert Musil, Ingeborg Bachmann, and Friederike Mayröcker.