Band 22, Heft 1

Traute man der Tagespresse (etwa Der Spiegel 48/2003), könnte der nichtsahnende Leser aus den sensationslüsternen, manchmal maliziösen Rezensionen schließen, es handle sich bei dem neuen Germanistenlexikon um nichts weiteres als ein digitales Schurkenverzeichnis der Hochschulgermanisten, die sich dem Nationalsozialismus verschworen haben, und folglich um eine kollektive Denunziation unseres Fachs. Tippt man zwar „NSDAP“ in die „erweiterte Suche“ der CD-ROM-Fassung, ergeben sich gleich 226 Treffer. In vielen Fällen handelt es sich aber um Menschen, die eben „ kein Mitglied“ waren oder die keinen Antrag eingereicht haben beziehungsweise denen kein Parteibuch ausgehändigt wurde. An und für sich ist „Mitgliedschaft“ nichts als eine Tatsache, die weiterer Erklärung bedarf. Wie schätzt man zum Beispiel Friedrich Beißners Partei-Mitgliedschaft ein, die von vielen Zeitzeugen als „distanziert“ und „geringfügig“ beschrieben wurde, im Vergleich mit seinem nur dadurch möglichen Verdienst, im Jahr 1943 die Hölderlin-Gesellschaft gegründet und die Große Stuttgarter Ausgabe unternommen zu haben? Ähnliche Komplexitäten ergeben sich, wenn man „SED“ (17 Treffer) eingibt: In drei Fällen handelt es sich um Kollegen, die mit der Partei Schwierigkeiten hatten; in zwei weiteren Fällen um Nordisten, die in der Zeitschrift Saga och Sed publizierten; und einmal (ausgerechnet in einem Nachruf für NSDAP-Mitglied Josef Nadler) um das lateinische Zitat non moriar , sed vivam . Der Computer ist eben unnachgiebig; da ist höchste Vorsicht geboten.

In einer erheblichen Zahl von dramatischen Werken spielen gemalte Bilder, und hier vor allem Porträts, eine für die Handlung konstitutive Rolle. Karin Bohnerts Monographie stellt über 30 solcher Werke ausführlich sowie diverse weitere in knapperer Form vor, mehrheitlich deutsch-sprachige, aber auch englische, französische sowie einzelne italienische (Gozzi, Pirandello) und norwegische (Ibsen), in der Mehrzahl bekannte, aber auch weniger bekannte wie Kotzebues Die Großmamma und Ernst von Houwalds inhaltlich besonders einschlägiges Drama Das Bild . Erkenntnisinteresse und Prämissen der vergleichenden Untersuchung werden einleitend so klar wie einleuchtend dargelegt: In literarischen Texten haben, so Bohnert, Porträts einen besonderen Status, der sich insbesondere aus tradierten bildmagischen Vorstellungen ableiten läßt.

Die Berichtsbände der von der Deutschen Forschungsgemeinschaft geförderten „Germanistischen Symposien“ markieren zentrale Themenkomplexe der germanistischen Forschung. Sie dienen auch, wenn man an den vorausgehenden mediävistischen Band zu „‚Aufführung‘ und ‚Schrift‘“ denkt, der Etablierung neuer Paradigmen, so daß diese Bände mit festen Erwartungen verbunden sind. Der jüngste mediävistische Band, der von Ursula Peters herausgegeben wurde, steigert diese Erwartungen beträchtlich. „Text und Kultur“ – eine solche Themenstellung zielt in der gegenwärtigen Situation auf das Ganze der Diskussion um die kulturelle wie historische Kontextualisierung von Literatur. Der von der Herausgeberin in der Vorbemerkung formulierte Anspruch, über Anleihen hinaus eine intensive Auseinandersetzung mit den unterschiedlichen Ansätzen zwischen Texttheorie und Kulturwissenschaften aufzunehmen, forciert geradezu eine solche Erwartung.

Unter dem Titel Böse Frauen – Gute Frauen versammelt der interdisziplinär angelegte Band Studien, die auf ein Kolloquium zurückgehen, welches im Sommer 1998 im Rahmen des Forschungsprojektes „Bilder von Liebe, Ehe und Familie in der deutschen Literatur des 15. und 16. Jahrhunderts“ am Fachbereich Germanistik der Freien Universität Berlin stattfand. Versprochen werden – wenngleich weniger in systematischer Hinsicht als vielmehr anhand von „repräsentativen Fallbeispielen“ (S. 10) – Untersuchungen, die unterschiedlichste Entwürfe von Geschlechterverhältnissen in literarischen Texten und bildnerischen Darstellungen des Mittelalters und der Frühen Neuzeit rekonstruieren. Das Interesse der Analysen konzentriert sich hierbei besonders auf Weiblichkeitsdiskurse, die zwischen positiven Frauengestalten und Figurationen des übelen wîbes unterscheiden (S. 9f.).

Seit einiger Zeit schon wird die Anwendung narratologischer Methoden und Termini in der germanistischen Mediävistik zu einem immer besser ausgebauten Wegenetz, das teilweise überraschende Zugänge zum Verständnis auch bekannter Werke ermöglicht. Ein weiteres Beispiel hierfür bietet der von Ludger Lieb und Stephan Müller herausgegebene und mit einer sorgsamen Einleitung bedachte Sammelband zu den „Situationen des Erzählens“, der aus einem Arbeitsgespräch im Rahmen des DFG-Sonderforschungsbereichs 537 „Institutionalität und Geschichtlichkeit“ im Oktober 1999 in Dresden hervorgegangen ist.

Dieses Lexikon verspricht, „erstmals einen systematischen Überblick über die in der mittelalterlichen deutschen Literatur von ca. 1050 bis 1350 genannten mythologischen und historischen Gestalten der griechisch-römischen Antike“ zu bieten (S. IX). Seine ausführlichen Begründungen dieses Ziels und einzelner Auswahlverfahren rücken historische Gegebenheiten, Kontextualisierungen und Funktionalisierungen ins Bewußtsein, verzichten dagegen dankenswerterweise auf bloße Kontinuitätsnachweise als Rechtfertigung der Anlage des Werks. Es geschieht im Sinne der behandelten Epoche, wenn nicht versucht wird, mythologische, historische und literarische Gestalten scharf voneinander abzuheben. Auch werden die Gegenstände des Lexikons in der Einleitung ausführlich unter mögliche mittelalterliche Perspektivierungen gerückt, etwa indem auf unterschiedliche mittelalterliche Nachahmungen, Deutungen oder Einordnungen der Antike eingegangen wird, so daß zum Beispiel rhetorische, typologische und realhistorische Muster oder Betrachtungsweisen als Möglichkeiten nebeneinander erscheinen.

Die im Abstand von einem Jahr publizierten Monographien zur Figur des Pilatus behandeln beide die legendarische Texttradition; ansonsten werden unterschiedliche Felder ausgewertet: Bibeldichtung bei Bettina Mattig-Krampe; bibelexegetische und historiographische Texte bei Andreas Scheidgen. Es zeigt sich in der einen wie in der andern Studie deutlich, wie „tiefgreifend die zweideutige Figurenzeichnung des neutestamentlichen Berichts auf die mittelalterliche Auffassung eingewirkt hat, eine Erkenntnis“, die als solche „alles andere als überraschen kann“ (Scheidgen, S. 291). Das bringt mit sich, daß in beiden Arbeiten Grundlegendes parallel abgehandelt wird; aber sie fallen doch sehr verschieden aus. Nicht nur werden teilweise unterschiedliche Gattungen behandelt; vor allem sind die Zugänge zum Material unterschiedlich – und abhängig davon die Darstellungsweisen. Mattig-Krampe beschäftigt sich hauptsächlich mit der Frage nach dem Verhältnis von Texten zu ihren Quellen (1). Scheidgens Arbeit ist primär am Bedeutungspotential der Pilatusgestalt interessiert. Sein Ziel ist es, Grundmöglichkeiten des Umgangs mit der Pilatusfigur in unterschiedlichen Diskursen und historisch signifikanten Ausprägungen vorzuführen (2).

Die vorliegende Arbeit ist eine leicht überarbeitete Augsburger Dissertation vom Wintersemester 2001. Sie bietet sowohl in systematischer als auch in sachlicher Hinsicht eine Fülle von neuen Einsichten in Wolframs Gralroman und ist somit sehr zu begrüßen. Der Titel täuscht etwas, denn zwar handeln die ersten 200 Seiten vorwiegend von den Gawan-Büchern, die folgenden 100 Seiten jedoch befassen sich hauptsächlich mit den Gahmuret- und Parzival-Büchern. Der Vergleich der drei Partien des Romans ist aber durchaus gerechtfertigt. Zudem finden sich in beiden Teilen des Buchs wichtige Interpretationen von Einzelaspekten der Handlung, die nicht immer direkt auf die Geschlechterbeziehungen bezogen sind, vielmehr als ‚interpretatorischer Kommentar‘ allgemein herangezogen werden können. Alle diese neuen Einsichten oder auch sämtliche Stellen, an denen man auch anderer Meinung sein könnte, zu besprechen, ist hier nicht möglich, daher werden wir uns auf die Hauptergebnisse der Studie konzentrieren müssen.

Der Liber de proprietatibus rerum des englischen Franziskaners Bartholomäus ist bekanntlich eines der erfolgreichsten Werke des Spätmittelalters und der frühen Neuzeit, ein ‚Bestseller‘ sozusagen. Seine Überlieferung ist sowohl zeitlich als auch räumlich außergewöhnlich ausgedehnt. Die Tradition der lateinischen Originalversion erstreckt sich auf zweieinhalb Jahrhunderte nach der Kompilation (die Abschlußzeit wird Anfang der vierziger Jahre des 13. Jahrhunderts angesetzt) und zählt 188 Handschriften (Fragmente und Werkauszüge ausgenommen); hinzu kommen eine Reihe von Bearbeitungen, die nach verschiedenen Prinzipien und Tendenzen erfolgten, und Übersetzungen in sieben Volkssprachen (Französisch, Englisch, Provenzalisch, Italienisch, Spanisch, Deutsch, Niederländisch), die im Laufe des 14. und 15. Jahrhunderts entstanden, sowie Druckausgaben, die von der Inkunabelzeit bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts reichen. In diesem großen Überlieferungskomplex lassen sich verständlicherweise zahlreiche, nicht selten auch wesentliche Veränderungen der Konzeption und der Funktion des Werkes beobachten.

Der Band des aus Mühlbach in Rumänien stammenden, seit 1982 in Deutschland lebenden und heute als wissenschaftlicher Diplom-Bibliothekar im Siebenbürgen-Institut in Gundelsheim/Neckar arbeitenden Autors besteht strenggenommen aus zwei – einander ergänzenden, aber in sich abgeschlossenen – Teilen, macht doch nahezu die Hälfte des Umfangs die mit eigener Einleitung versehene Bibliographie aus. Vom (Paperback-)Einband her eher schlicht ausgestattet, ist das Innenleben doch durchwirkt von alten Stichen, Landkarten, Illustrationen, etlichen Zierleisten und den Motiven der Wasserzeichen. Der Aufbau folgt logischen Prinzipien; zugunsten der besseren Übersicht werden teils auch Wiederholungen in Kauf genommen.

Auf dieses Buch hat man hoffen dürfen (aber lange warten müssen). Eine geradezu ideale Doppelkompetenz prädestiniert Hans Joachim Kreutzer zu diesem Unternehmen: Einerseits hat der Regensburger Emeritus seit Jahrzehnten über die Historia von D. Johann Fausten beziehungsweise über die problematische Kategorie des frühneuzeitlichen ‚Volksbuchs‘ gearbeitet und den Text im Kontext einer in Wolfenbüttel entdeckten Frühfassung neu herausgegeben. Andererseits gehört er seit langem zu den musikverständigsten germanistischen Libretto-Forschern und hat mit seinen Mozart-Büchern sowie vielen kleineren Studien wie nur wenige zur Erkundung der Grenzlandschaften zwischen Musik und Dichtung beigetragen.

Als Gérard Genette in den 80er Jahren des vergangenen Jahrhunderts seinen Entwurf einer Theorie des Paratextes vorlegte, war er zwar nicht der erste Literaturwissenschaftler, der sich mit diesem Phänomen beschäftigte – gerade in der Germanistik waren schon früher wichtige Arbeiten entstanden –, doch sein „Buch vom Beiwerk des Buches“ hatte eine stimulierende und integrierende Wirkung auf die bis dahin sehr heterogene Forschung zu diesem Themenkomplex. Denn das von Genette entwickelte Konzept ermöglichte es, sich so verschiedenartigen Gegenständen wie dem Titel, dem Motto, der Marginalie, der Buchillustration oder dem Klappentext unter einem gemeinsamen Oberbegriff zu nähern und sie als Teilaspekte eines großen, für literatur- und kulturwissenschaftliche Fragen ergiebigen Problemfeldes zu begreifen. Auch Anschlußmöglichkeiten für andere interessierte Disziplinen waren damit gegeben, etwa für Buchwissenschaft und Kunstgeschichte. In der Folge erschienen Arbeiten zu einzelnen Formen des Paratextes sowie zu autoren-, werk- und epochenbezogenen Fragestellungen, die Genettes Ansätze weiterverfolgten und ausdifferenzierten. Zum Teil wurden dabei wichtige Erkenntnisse gewonnen, doch ist es noch ein weiter Weg zu umfassenden Analysen nicht mehr nur isolierter paratextueller Elemente und Erscheinungen, sondern spezifischer paratextueller Konfigurationen in ihren jeweiligen Funktionszusammenhängen und historischen Kontexten.

Scholars of German Baroque literature and music have waited a very long time for a book such as this. While Judith Aikin presents an excellent overview of the development of the German opera libretto from its inception with Martin Opitz and Heinrich Schütz's Dafne in 1627 until the founding of the Hamburg Opera in 1678, her main focus is to answer several questions long unanswered by scholarship: Why did German-language opera develop so slowly? Why did the development of recitative in the German language lag far behind that in Italian? What hindered the natural alternation between aria and recitative in German? Why did contemporary musicians find German verse so difficult to set to music? And, the question which provides the prime impetus for this study, what kinds of verse were necessary for opera in German? Her undertaking reminds the reader of passages from Günter Grass' Das Treffen in Telgte in which the elderly Heinrich Schütz, in search of appropriate German verse to set to music, participates in the fictitious meeting of German poets at Telgte after the end of the Thirty Years' War. He hopes to find there dramatic poetry to set to music, that is, “auf deutsche Worte Madrigale zu komponieren”. Aikin's book explains why, in the 1650's, Schütz was still seeking German verses to compose in the operatic style he had first experienced in Italy many years before.

There is no question but that this book, which originated as a doctoral thesis for the University of Erlangen-Nürnberg, is a major contribution to our knowledge of seventeenth-century theatre in the German-speaking world. It is a study of theatre in the city of Nürnberg from the beginning of the seventeenth century until the end of the third decade of the eighteenth. That the author finds such a wealth of theatrical performances to discuss over this period in Nürnberg is the first revelation, for, as he begins by reminding us, the most commonly accepted view has hitherto been that, while Nürnberg may have been important theatrically in the sixteenth century, the seventeenth was a period of decline. This book shows that such a view is completely wrong. The author demonstrates convincingly and with a wealth of detail the sheer variety and quality of theatre in Nürnberg and its central place in the life of the city. This new information alone would make the book of lasting value. This is no mere assemblage of facts, however. The author's analytical take on his material enhances the value of the book immeasurably. I should like to pick out five salient features here.

Auf den Spuren der Pionierarbeiten von Georg Witkowski (1886–1887) und den verdienstvollen Forschungen von Gerhard Dünnhaupt (1973–1984) hat das Freiburger Germanisten-Duo Achim Aurnhammer und Dieter Martin eine wichtige Arbeit geleistet, die zur Reflexion über die Entwicklung der deutschen Literatur durch deren „Internationalisierung“ (S. IX) zu Beginn des 17. Jahrhunderts beiträgt. Dies geschah durch die Übernahme von Themen und Formen ausländischer Literaturen, vor allem aus der Romania, in diesem Fall jener der italienischen Renaissance, und zwar durch Ludovico Ariostos Meisterwerk Orlando Furioso (1516–1532). Dieses Epos stellte in doppelter Hinsicht eine außergewöhnliche Herausforderung für den anhaltinisch-mecklenburgischen Dietrich von dem Werder (1584–1657) dar, weil die mittelalterliche, über Erotik und Wahnsinn fabulierende Handlung am Hofe von Karl dem Großen und die Endecasillabi der episch-melodischen Ottave rime den deutschen Übersetzer zur Erfindung einer neuen Metaphorik in bis dato unbekannter Vers- und Strophenform zwangen.

Das Buch Fabienne Malaperts ist eine überarbeitete Fassung der Thèse, die sie im Dezember 2000 der Université de Paris-Sorbonne vorgelegt hat. Nach einer Einleitung, in der die Verfasserin ihre Forschungsabsicht darlegt, behandelt sie in drei Teilen: 1. die Poetik des Epigramms von der Antike bis zum 17. Jahrhundert (S. 17–107), 2. das dichterische ‚Programm‘ („projet poétique“) Logaus (S. 109–228), 3. die epigrammatische Satire der Logauschen Sinn-Getichte (S. 229–384). Auf eine sechsseitige „Conclusion“ (S. 385–390) folgen dann eine ausführliche Bibliographie und ein Namenregister.

Die Studie von Caroline Torra-Mattenklott hat nichts mit dem gemein, was dort ‚angesagt‘ ist, wo der von Frau Bulmahn ausgerufene Wettbewerb „Brain-Up. Deutschland sucht seine Super-Uni“ Geltung beansprucht; schließlich fehlen der Studie alle die kulturpolitischen Schlagworte, mit denen gegenwärtig um Aufmerksamkeit für ‚Exzellenzforschung‘, ‚vernetzte Vielfalt‘, ‚Fächer-Matrix‘ oder ‚Innovations-Pools‘ gebu(h)lt wird. Statt dessen läßt die Arbeit von Torra-Mattenklott erkennen, worin und wodurch Geisteswissenschaften einen Beitrag zum Nachweis ihrer eigenen Unentbehrlichkeit leisten können: durch hartnäckig konzentrierte Forschung über Probleme, die im Rahmen einer nicht nach Kontinuität, sondern einzig nach Innovation fragenden ‚hegemonialen‘ Geschichtsauffassung als längst erledigt gelten. Man könnte auch sagen: Erst konsequente Historisierung kann Historisches ‚aktuell‘ machen.

In der Reihe „Archiv“ des Aisthesis Verlages ist als vierter Band, nach der Neuherausgabe von Mendelssohns Jerusalem oder über religiöse Macht und Judentum , eine weitere Edition von Texten aus dem 18. Jahrhundert erschienen. Da Walter Hettche diese Ausgabe besorgt hat, der unlängst viel Lob für seine umsichtige Auswahl aus dem Werk Gleims erhielt, durfte die Neugierde auf diesen Band groß sein, zumal die Literaturgeschichtsschreibung Lichtwer zumeist nur beiläufig erwähnt und die Forschung sich bislang fast nur mit seinen Fabeln befaßt hat.

Nicht bloß metaphorisch will Martin Huber seinen Titel „Der Text als Bühne“ verstanden wissen. Vielmehr soll das Zusammentreffen von körperlicher Repräsentation, emotiver Interaktion und gedoppelter Beobachtung, das die Bühne als einen Raum sui generis konstituiert, literaturwissenschaftlich nutzbar gemacht werden. Nicht um das konkrete Theaterereignis also geht es hier, sondern um ein Theatermodell, das einerseits transgenerisch eine allgemeine Qualität von literarischen Texten hervortreten lasse, andererseits transdisziplinär ein spezifisches Kulturmodell darstelle. In der Theatralität nämlich gründe zum einen ein genuin literarisches Darstellungsverfahren, das – wie kein anderes – die Kommunikabilität von Gefühlen zu erklären vermöge; zum andern eröffne ein solches Modell die Sicht auf Bereiche, die von einer traditionellen Literaturwissenschaft ignoriert würden: Körperlichkeit, Emotionalität sowie Selbstgefühl und Selbstbewußtsein – Bereiche, die zusammen den Ort von Literatur in einer allgemeinen Kulturtheorie ausmachten.

Die Beiträge zu diesem Band sind aus einem Symposion hervorgegangen, das die Humboldt-Universität 1999 im Berliner Schauspielhaus am Gendarmenmarkt, parallel zu einer Konzertreihe mit Goethe-Vertonungen, ausgerichtet hat. Mit dem gewählten Thema „Kunst und Wissenschaft in Berlin und Weimar im Zeichen Goethes“ und dem Schauplatz der Veranstaltungen – 1821 mit der Iphigenie festlich eröffnet – galt es dabei wohl nicht nur den runden Geburtstag des Olympiers zu feiern, sondern auch die eindrucksvolle Kontinuität, mit der Berliner Institutionen Werke und Wirken des Weimaraners seit nunmehr 200 Jahren weiterpflegen.

Schon den Zeitgenossen ist die große Bewunderung aufgefallen, die Flaubert (1821–1880) Goethe entgegenbrachte. Eine systematische Analyse der Beziehung zwischen Flaubert und Goethe, die über die Auswertung von Flauberts Briefwechsel oder über das Auffinden von mehr oder weniger auffälligen Analogien zwischen den beiden Autoren hinausginge, fehlt gleichwohl. Einen Teil dieses Massivs wird nun von Dagmar Giersberg erschlossen, die in ihrer 2003 erschienenen Untersuchung Flauberts Auseinandersetzung mit den Leiden des jungen Werthers nachzeichnet. Insbesondere in den Jugendwerken Flauberts bis hin zu Madame Bovary sind die mehr oder weniger offenen Hinweise auf Goethes Briefroman kaum zu übersehen. In ihrer überaus sorgfältigen Arbeit, die mit dem Begriff der Intertextualität operiert (eine methodologische Option, auf die abschließend noch zurückzukommen sein wird) untersucht Giersberg in je eigenen Kapiteln Les Mémoires d'un fou (1838), Novembre (1840–1842), die erste, zu Lebzeiten Flauberts unveröffentlichte Fassung von L'Éducation sentimentale (1845), Madame Bovary (1857) und die ‚zweite‘ (1869 publizierte) Éducation sentimentale : „Gezeigt werden soll, daß die gelesenen Erzählungen und Romane Flauberts als Spiele mit der Vorlage Werther verstanden werden können“ (S. 11). Interessanterweise begnügt sich die Arbeit nicht damit, den ‚Einfluß‘ Goethes auf Flauberts Œuvre festzustellen und die einschlägigen Parallelstellen aufzuführen. Überzeugend wird in textnah gehaltenen Analysen herausgearbeitet, wie Flaubert dem Goetheschen Briefroman bald einige seiner zentralen Themen, bald einzelne Motive, bald formale Elemente entnimmt und umfunktioniert.

Die vorliegende Dissertation, im Frühjahr 2001 in Münster verteidigt, stellt sich ein ehrgeiziges Ziel. Sie will als „dezidiert poetologisch verfahrende Wissensgeschichte“ (S. IX) das „romantische Wissen über Sprache“ systematisch aufarbeiten und dabei eine Forschungslücke schließen, die in der Einleitung konstatiert wird. Dort heißt es: „Jenseits von Sprachphilosophie, Geschichte der Nationalphilologie und der Untersuchung der Sprachästhetik literarischer Texte gibt es bislang kaum Ansätze einer systematischen Aufarbeitung des spekulativen Sprachdenkens der Romantik, wie es in besonderer Weise von der Theorie und Praxis der Etymologie repräsentiert wird“ (ebd.). Mit diesem Vorhaben widmet sich der Autor einem Gegenstandsbereich, der schon von Ernst Behler als „virtually unknown“ beschrieben wurde und dessen besondere Problematik aus den nicht selten nur fragmentarischen, nur schwer auf eine einheitliche Vorstellung zu beziehenden Äußerungen der rege produzierenden Akteure erwächst.

Die Simonides-Legende, der Gründungsmythos antiker Mnemotechnik, erzählt von der unheimlichen Verbindung von Katastrophe und Gedächtniskunst. In Laurie Ruth Johnsons Studie verweisen zwei viel besprochene Memorabilien der klassischen Autonomie-Ästhetik, die Laokoon-Statue und Philomeles Gewand, auf diese Verbindung; sie gehören zur Vorgeschichte der Jenaer Frühromantik und ihrer Kunst der Erinnerung. Die Statue und das Gewand beleuchten den Zusammenhang zwischen einer traumatischen, körperlichen Erfahrung und ihrer erinnernden Wiederholung in der Kunst und führen darin ins Zentrum von Johnsons Argumentation, die die frühromantische Gedächtniskunst als Krisenmanagement und als eine Strategie der Verlustbewältigung versteht.

Die Autorin des vorliegenden Bandes untersucht, wie der Konflikt zwischen dem metaphysischen Reich der Ideen und der Welt des Alltags in einigen Werken Hoffmanns zum Ausdruck kommt. Die Textgrundlage bilden insgesamt acht Erzählungen, vier aus den Serapions-Brüdern und vier aus den Fantasie - und Nachtstücken , wobei sich die Autorin aus dieser etwas willkürlichen Auswahl einen nicht näher präzisierten Überblick („representative selection“, S. 7) verspricht. So ist es schon erstaunlich, daß sie dabei einige Texte völlig außer acht läßt, die, wie namentlich Der goldne Topf aus den Fantasiestücken , sowohl die Dichotomie zwischen philisterhaftem Diesseits und phantastischem Jenseits als auch deren Ineinanderwachsen meisterhaft darlegen. Generell ist an Röders Studie auszusetzen, daß sie sich auf die unten genannten Erzählungen Hoffmanns beschränkt und nur selten auf andere seiner Werke Bezug nimmt, die ebenfalls den erwähnten Widerspruch zwischen Ideal und Wirklichkeit thematisieren und deren Berücksichtigung der vorliegenden Analyse mehr Tiefe und inneren Zusammenhang verliehen hätte. Erfreulich ist allerdings, daß Röder auch Texte bespricht, denen man bislang nicht genügende Aufmerksamkeit geschenkt hatte (z. B. Der Artushof ).

„Der Roman ist die Epopöe eines Zeitalters, für das die extensive Totalität des Lebens nicht mehr sinnfällig gegeben ist […] und das dennoch die Gesinnung zur Totalität hat.“ Georg Lukács leitet aus diesem Widerspruch die einzigartige Gefährdung des Romans als einer Gattung ohne Kriterien ab. Nur im je neuen Entwurf und Vollzug seiner Form erfüllt der Roman sein Gesetz, das zugleich aber sein Scheitern fordert: Der Form muß die Totalität mißlingen. Dieses aporetisch angelegte Verständnis des Romans – als einer Gattungskrise entsprungen und als selbst krisenhafte Gattung – ist älter als Lukács' Theorie des Roman s und gilt wesentlich ungebrochen bis heute. Als Krisengattung konnte der Roman zum Paradigma der Moderne avancieren, denn Moderne ist erst sekundär ein Epochenbegriff und meint zunächst immer Krise: der Totalität, des Sinns, des Subjekts, auch der Epoche.

Bücher über das Epigonentum kann man mittlerweile daran messen, wie sie mit ihrer eigenen Nachkommenschaft umgehen. Marcus Hahn löst in seiner aus dem Konstanzer Graduiertenkolleg Theorie der Literatur und Kommunikation hervorgegangenen Dissertation diese Aufgabe elegant, indem er drei Prämissen aufstellt. Erstens betrachtet er das Epigonentum als ein kulturelles Phantasma, zweitens ist der Status als historiographische Beschreibungskategorie entscheidend für den Begriff, und drittens sei der Epigonendiskurs nach 1945 in die Postmoderne ausgewandert (S. 9). Daraus bezieht das Buch seine Berechtigung: es versucht eine Fortschreibung des Epigonalen in der „Analogie zwischen dem Epigonendiskurs des ‚19. Jahrhunderts‘ und der ‚Postmoderne‘-Diskussion“ (S. 12).

Biographien sind kontextabhängig. Das trifft immer zu, aber selten in einem solchen Maße wie bei der Biographie Maximilian Hardens. Als Politiker und Publizist gestaltete er die Zeitgeschichte mit, als Kommentator und Kritiker begleitete er sie schriftstellerisch. Von einer Biographie über ihn darf man also erwarten, daß sie interessante Schlaglichter auf die Wilhelminische Ära und auf die ersten Jahre der Weimarer Republik wirft. Man wird nicht enttäuscht.

Die Textbasis von Strathausens Studien zur Literatur der Jahrhundertwende ist schmal. Analysiert werden einige wenige Gedichte von Rilke (zentral: Früher Apollo , Eingang und Die Gazelle ), Hofmannsthal (zentral: Vorfrühling ) und George (zentral: Der Teppich und Urlandschaft ); hinzu treten Ein Brief und der Malte -Roman, welche als Prosawerke selektiv zur Untermauerung der Beobachtungen herangezogen werden. Relativ knapp lassen sich diese zusammenfassen: Strathausens Interesse gilt dem Versuch des Ästhetizismus, mittels der autonom gewordenen Sprache eine verdichtete Welt zu evozieren. Zugleich stellt er sich dem Anspruch der emphatischen Moderne, nach dem Zusammenbruch der metaphysischen Systeme eine neue, andere, nicht mehr geist- und subjektbestimmte „Primärwirklichkeit“ sprachlich zu erzeugen. Für die behandelten Texte und Autoren bedeutet dies: Zum einen umkreist Strathausen in immer neuen Anläufen, wie eine Wahrheit des Lebens und eine unmittelbare „Anschauung“ der Dinge sich in der Sprache der Gedichte artikulieren und Gestalt annehmen. Die besondere Signatur dieser Wahrheit sieht er in der Zersprengung des idealistischen Subjekts zugunsten der Präsenz des Körpers. Zum anderen deckt er auf, wie der sprachreflexive Gestus der Gedichte diese „Offenbarung“ von Wahrheit, Leben und Wesen der Dinge ständig durchkreuzt und aufhebt. An der Wurzel der Einheit von Sprache und Sein werde die sprachliche Setzung sichtbar.

While the importance of sensory perception in Rilke's work is generally acknowledged, the consensus till recently has been that its first phase is dominated by sight (the visuality of the Neue Gedichte , Malte's “Ich lerne sehen”), its later phase by hearing (the prominence of music in the Sonette an Orpheus ). Silke Pasewalck questions this simple pattern. She finds a crisis of perception in Rilke's work around 1912–1914, recorded in his letters from Spain (where visual perception proved insufficient to respond to the Spanish landscape), in the Gedichte an die Nacht , and in the famous programmatic poem Wendung . Thereafter, she argues, the poetic response to the empirical world involves all five senses, including the ‘lower' senses of touch, taste and smell which were long considered beneath the dignity of poetry. Here the author is expanding an argument by Anke Bennholdt-Thomsen, the supervisor of the thesis on which this book is based, that space in the poetry of Rilke and Celan is constituted by the interplay of all the senses. Pasewalck develops this argument in great detail, drawing on a thorough knowledge of Rilke's work, Rilke scholarship, and theoretical reflections on epistemology and sense-perception since the Enlightenment.

Das Buch beginnt mit einem als Vorbemerkung deklarierten Paukenschlag. Einem Hinweis von Gerhard Schuster nachgehend hat der Verfasser herausgefunden, daß nicht etwa bereits Borchardts Großeltern väterlicherseits zum Christentum konvertierten, wie Borchardt selbst es dezidiert behauptete, wenn er diesen Prozeß nicht gar in noch grauere Vorzeiten verlegte (was bisher ungeprüft übernommen wurde), sondern erst die Eltern. Dies wirft in der Tat ein neues Licht auf Borchardts prekäres Verhältnis zum Judentum seiner Vorfahren; es läßt außerdem erkennen, daß die Verhaftung der Familie Borchardt in Italien 1944 unter den Auspizien einer möglichen „Volljude“-Deklaration für Borchardt nach NS-Terminologie zu sehen ist, beziehungsweise von ihm so gesehen werden mußte, mit den entsprechenden Konsequenzen, die dann durch eine verblüffende Wendung der Dinge nicht eintraten.

Musils geniale Erfindung der Parallelaktion wirkt sich offensichtlich auch immer wieder in der Musil-Forschung aus. Nicht nur daß man lange Zeit die Herausgabe des Nachlasses in Parallelaktionen betrieb, auch Musils Biographie, die schon lange einer wissenschaftlichen Darstellung harrt, kommt jetzt gleich zweimal, wenn auch in unterschiedlicher Qualität auf den Markt. Wenn Corinos Biographie auf jahrzehnte-, ja lebenslangen Recherchen, auf der Suche nach Quellen, auf Kontakten mit Zeitgenossen Musils und auf umfangreichen Archivstudien basiert, so die Parallelaktion Krafts auf unkritisch rezipierten und willkürlich ausgewählten Sekundär- und Tertiärquellen. Weist Corino jedes Detail nach, recherchiert selbst Lebensdaten von Nebenpersonen, erklärt, in welchem Kontext die zitierten Quellen zu sehen sind, so fehlen bei Kraft die Nachweise für Zitate aus Musils Werk immer und auch sonst ist man oft aufs Raten angewiesen, woher die Zitate stammen. Dafür ist der Hochschullehrer stark, wenn es um das Verteilen von Zensuren geht und um Charakterisierungen ohne Belege. Wenn der langjährige Redakteur der Literaturabteilung des Hessischen Rundfunks sich an wissenschaftliche Standards hält, Archive durchforscht und sich bei Ärzten erkundigt, wie die Krankheiten Musils in Bezug auf Symptome und Gefährlichkeit einzuschätzen sind, so geht der Universitätsprofessor Kraft wie ein Journalist vor, der willkürlich herausgegriffene Zitate zu einem Porträt zusammensetzt, das sich ungefähr so ausnimmt wie Porträts in der Boulevardpresse, wo vor allem negative Züge einer Person hervorgehoben werden. Der Musil-Forscher beziehungsweise die Musil-Forscherin fragt sich, zu welchem Zweck Krafts Buch überhaupt geschrieben wurde. Es bietet weder neue Einblicke in Musils Texte noch in seine Biographie. Nach dem Klappentext zu schließen, scheint das Buch für ein größeres Publikum bestimmt zu sein, ist aber in einem hegelianisch unverständlichen Stil geschrieben. Wie man eine intelligente, wissenschaftlich fundierte und erst noch spannend zu lesende Biographie schreiben kann, zeigt die von Corino, welche zudem mit einem umfangreichen Literaturverzeichnis, einer ausführlichen Tafel mit Lebensdaten und einem Register sowie drei komfortablen Lesezeichenfäden ausgestattet ist. Die Parallelaktion ist noch nicht zu Ende, sie muß leider in der vorliegenden Rezension fortgeführt werden, obwohl es nicht ganz leicht ist, Bücher von so unterschiedlicher wissenschaftlicher Qualität vergleichend zu besprechen. Man ist leicht versucht, dem schlechteren zu viel Gewicht zu geben.

Musils monumentales Romanfragment stellt einmal den Begriff der Kultur unter Täuschungsverdacht. Wer wollte da nicht an die gegenwärtige Konjunktur der Vokabel denken, wie sie auffällig mit dem politisch, publizistisch und ökonomisch betriebenen Abbau ihrer realen Substrate korreliert, zumal im Namen des Populären? Da ist es kein schlechtes Zeichen, wenn ein notorisch viel gerühmter und wenig gelesener Roman gleichwohl, oder gerade deswegen, das öffentliche Interesse herausfordert. Der Mann ohne Eigenschaften erscheint aktueller denn je. Eine, vorsichtig ausgedrückt, idiosynkratische Polemik Reich-Ranickis zum Beispiel löste einiges Kopfschütteln aus. Corinos voluminöse Biographie und Krafts Studie sind aufmerksam besprochen worden. Und das Fachpublikum dürfte sich bald auf die CD-ROM-Edition von Musils sämtlichen Werken stürzen, die das Klagenfurter Musil-Institut vorbereitet.

Germanisten of a certain age will remember a time when such down-to-earth series as “Rowohlts Monographien” and “Köpfe des XX. Jahrhunderts” were the first port of call for those seeking a combination of biographical contextualization and basic factual information on a major writer. Belonging essentially to the genre of ‘literary biography', this new “dtv portrait” of Grass performs a comparable function, but does so at greater length and in more detail and is designed to be more reader-friendly and attention-holding without losing any of the authority of its predecessors. For a work of its length, Claudia Mayer-Iswandy's biography offers an admirable range of lucidly presented information on Grass the writer, the painter and sculptor, the politically engaged citizen, the essayist and commentator on affairs of state. His private life is treated with discretion, except to note where it has left its mark on the subject matter of his fiction. We are, however, afforded a rare insight into his creative impasses and moments of personal crisis and introspection. Responding to the cliché of Grass the writer as “Im Ausland geliebt – im Inland gehaßt”, the volume pays much attention to his work's reception, both in the German-speaking countries and, following Die Blechtrommel , internationally. Mayer-Iswandy documents the frequent mismatch between critical and popular responses to his fiction in Germany and abroad, with, in particular, örtlich betäubt and Zunge zeigen finding greater favour in the English-speaking countries. The reasons for this are not gone into.

Günter Grass gehört zu den Autoren, die weltweit übersetzt, verlegt und gelesen werden; dies gilt auch für seine Werke mit einer hermetisch innerdeutschen Problematik, deren interne Bezüge und Anspielungen, wie im Roman Ein weites Feld , im Ausland nicht ohne weiteres verstanden werden können. Ob dies an einer für Grass typischen Sichtweise liegt, die, allem Anschein zum Trotz, doch eine Außenperspektive ist und sich mit der Sicht eines Lesers im Ausland decken mag, wäre eine Frage, die Einzelrecherchen verdiente. Denn Distanz wird manchmal erst außerhalb des Raumes, in dem man in einem internen Code miteinander spricht, verständlich. So wird das Regionale europäisch.

Die Untersuchung von Johnsons Texten als literarische Erinnerungsarbeit blieb bislang weitgehend auf den letzten großen Roman Jahrestage beschränkt. Wenn Ulrich Krellner das Erinnerungskonzept von Johnsons Gesamtwerk in den Blick nimmt, sieht er sich demnach vor zwei Aufgaben gestellt: Zum einen gilt es, die Relevanz des Erinnerungsparadigmas, die für die Jahrestage außer Frage steht, auch für die früheren Texte zu erweisen; zum anderen darf man erwarten, daß eine Studie, die dem letzten Roman immerhin die Hälfte ihres Umfangs widmet, auch für dessen mnemologisches Programm neue Ergebnisse bereithält. Beides – so kann vorwegnehmend resümiert werden – ist dem Verfasser gelungen. Indem er im Untertitel seiner Arbeit von dem Erinnerungskonzept von Johnsons Erzählwerk spricht, erlegt er sich jedoch eine zusätzliche Verpflichtung zur Homogenität auf, der nur schwer nachzukommen ist. Daß in Thematik und Struktur so unterschiedliche Texte wie Ingrid Babendererde , Mutmaßungen über Jakob , Das dritte Buch über Achim und Jahrestage einem gemeinsamen Modell folgen sollten, erscheint eher unwahrscheinlich. Die Analysen der einzelnen Werke weisen denn auch in unterschiedliche Richtungen.

In Heins Essay-Sammlung Die Mauern von Jerichow ist David Clarkes Titelzitat enthalten: „Es ist eine Besonderheit des Menschen, die ihn groß macht und ihn gefährdet, daß er diese merkwürdige Kleinigkeit einer Vision benötigt, um existieren zu können.“ Wie der Verfasser dieser zunächst als Dissertation an der University of Wales eingereichten, für den vorliegenden Druck als „extended version“ ausgeweiteten Fassung zu diesem Schlüsselzitat Heinscher Poetik und Sozialkritik anmerkt (S. 44), sind drei Aspekte für Heins Schreibintention in dem Zitat enthalten: die genau wiederzugebende persönliche Erfahrung, in die die ‚Vernunft des Herzens‘ individueller Perspektive ebenso eingeht, wie die Ideologie des jeweiligen Systems darin hinterfragt wird und jene von der eigenen Gemeinschaft geteilten ethischen und intellektuellen Werte mitenthält, aus denen sich diese ‚Vision‘ zusammensetzt.

Pop und populäre Kultur sind seit der Gründung des „Centre for Contemporary Cultural Studies“ 1964 in Birmingham ein akademischer Forschungsgegenstand, der nach 40 Jahren aber noch keine konzisen, an historischen Prozessen orientierte Theoriekonzepte vorweist, geschweige denn grundsätzliche Fragen nach den Gegenständen der Populärkultur und Abgrenzungen zur Gesamtkultur geklärt hat. Mit der in den 90er Jahren entfachten Diskussion um die Kulturwissenschaften hat die Erforschung der populären Kultur in Deutschland allerdings Konjunktur. Einen Überblick der Forschung beabsichtigt daher das jüngst erschienene Handbuch Populäre Kultur , das nach bisherigen überwiegend soziologischen Fragestellungen vor allem die ästhetische Funktion populärer Kultur erschließen will. Daß die Literatur dabei keinen eigenständigen Eintrag erhalten hat, wird mit dem nicht ganz nachvollziehbaren Argument begründet, daß die jeweilige Fachdisziplin die populärkulturelle Dimension herausarbeiten würde – ein für ein interdisziplinäres Handbuch eher befremdliches Argument. Die Literaturwissenschaft hat sich nun aber tatsächlich, verstärkt in den vergangenen drei Jahren, des Themas der sogenannten Popliteratur angenommen und dabei erstens auf die heftigen Debatten über die ‚neue Lesbarkeit‘ in den Feuilletons seit dem Erscheinen von Christian Krachts Roman Faserland reagiert und zweitens in diesem Kontext Fragen nach dem Verhältnis von E- und U-Kultur seit den 60er Jahren wieder neu gestellt.

Kein Zweifel, die dominante Gattung der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur ist die Prosa. Saison für Saison strömen hunderte neuer Erzählwerke auf den Buchmarkt, auch magere Talente werden mit vergleichsweise üppigen Vorschüssen gefüttert und die Anerkennung als ‚wirklicher Autor‘ führt faktisch über die Schwelle eines – zumindest so bezeichneten – ‚Romans‘. Demgegenüber entfallen bestenfalls fünf Prozent der belletristischen Neuerscheinungen pro Jahr auf Lyrik und Dramatik. Letztere lebt freilich nicht vom Buchverkauf, sondern von der Aufführung beziehungsweise dem Besuch der Theaterstücke; so bietet, trotz massiver Subventionskürzungen, eine immer noch stattliche Anzahl von Bühnen auch jungen Dramatikern die Möglichkeit, mit ihren Arbeiten an die Öffentlichkeit zu treten.

Chotjewitz' neuer Roman läßt sich im besten Sinne als postmodern bezeichnen, faßt man als Kennzeichen postmodernen Schreibens Selbstreflexivität, Intertextualität und einen historischen Bezug im gleichzeitigen Spiel mit Fakt und Fiktion. Wie in Ecos Der Name der Rose , so liegt auch hier der Stoff einige Jahrhunderte zurück, schickt doch Chotjewitz den Zittauer Poeten Christian Weise im Jahre 1664 auf eine fiktive Reise nach Italien, um im Auftrag des Herzogs August von Braunschweig-Wolfenbüttel das Manuskript von ‚Machiavellis letztem Brief‘ für die Wolfenbütteler Bibliothek zu erwerben. Beginnt Adson bei Eco mit einem Bibelzitat (Joh 1,1), so auch der Ich-Erzähler Weise bei Chotjewitz (Gen 1,1); und setzt die eigentliche Handlung von Il nome della rosa mit einem ausgewiesenen literarischen Klischee an („Era una bella mattina di fine novembre“), so steht Machiavellis letzter Brief, als Binnenerzählung eingefügt, dem nicht nach: „Der Sturm riß eine drei Kilometer breite Schneise der Verwüstung in die Toskana vom adriatischen bis zum etruskischen Meer, als Cosimo Anfang Oktober 1434 zurückkehrte“ (S. 162).