Ce guide contient différents types d’informations, théoriques, pédagogiques et pratiques, regroupées sous forme de fiches, qui permettent une familiarisation avec les composantes de la danse en contexte inclusif. Les fiches sont étayées de témoignages de l’équipe éducative, de personnes participantes et de leur famille ainsi que de des points de vue d'expertes et d'experts issus de la recherche scientifique.

Engager le corps pour enseigner et apprendre : diversité de perspectives est un ouvrage collectif faisant suite à un symposium tenu en avril 2021 au sein du Colloque international en éducation du Centre de recherche interuniversitaire sur la formation et la profession enseignante (CRIFPE). Ce symposium a réuni des praticiennes et praticiens et chercheuses et chercheurs du Québec et de la France, issus de divers champs disciplinaires. L’ouvrage rassemble onze chapitres qui examinent le potentiel de l’engagement corporel pour enseigner et apprendre, dans des contextes diversifiés (écoles alternatives primaires, école primaire/élémentaire, école secondaire, école professionnelle, formation universitaire) et à travers différentes perspectives pédagogiques et disciplines scolaires, en particulier les arts. Cet ouvrage collectif se divise en deux parties. La première dresse un panorama des rapports au corps dans des contextes scolaires variés, tout en en discutant à la lumière des perspectives diverses des autrices et auteurs. Dans la seconde partie, praticiennes et praticiens relatent leurs propres pratiques innovantes en matière d’enseignement-apprentissage faisant la part belle au corps. Ces récits illustrent tout le potentiel que recèle l’engagement corporel à l’école. Cet ouvrage s’adresse à toutes les personnes souhaitant faire plus de place au corps dans le processus d’enseignement-apprentissage en éducation.

En abordant des perspectives esthétiques et sociopolitiques, des préoccupations de formation et de création, ainsi que des approches interdisciplinaires croisant la danse avec différents domaines de connaissances, cet ouvrage offre un panorama diversifié des recherches menées par des professeurs et professeures et des étudiants et étudiantes du Département de danse de l’UQAM ainsi que par des artistes du milieu québécois. L’intérêt de ce panorama réside dans la présentation de problématiques qui habitent l’art de la danse aujourd’hui, et qui intéresseront particulièrement les enseignants et enseignantes, les artistes et les étudiants et étudiantes en danse, ainsi que les aficionados.

Faire danser à l’école pose un regard actualisé sur les fondements et les pratiques de l’enseignement de la danse en milieu scolaire et en périphérie de l’école. L’ouvrage prend appui sur des résultats de recherche sondant la parole de praticiens d’expériences diverses. Il s’adresse aux futurs et aux actuels enseignants de la danse en milieu scolaire (EDMS), aux conseillers pédagogiques, aux formateurs d’enseignants, aux chercheurs, aux artistes et à toute personne intéressée par le sujet. Douze auteures, à la fois praticiennes et chercheuses, contribuent à cet ouvrage traitant d’enjeux d’ordres artistique, didactique, pédagogique, historique, socioculturel et esthétique. Discipline praxique par excellence, la danse est pensée ici autour de la notion du FAIRE, comprise dans le sens de l’action de l’enseignant ou de l’artiste. Comme toute discipline enseignée à l’école, la danse comporte des enjeux d’éducation et de formation complexes présentés en quatre parties. La première partie DANSER À L’ÉCOLE soulève les questions suivantes : Quelle évolution des programmes ? Dans quelles conditions ? Qui forme-t-on pour enseigner la danse ? Quels rôles de l’EDMS ? La deuxième partie PENSER À FAIRE DANSER s’organise autour de la planification des apprentissages et de l’enseignement : Quoi enseigner ? Comment s’y prendre ? Que se passe-t-il dans la tête de l’enseignant ? La troisième partie FAIRE DANSER porte plus concrètement sur les moyens, les dispositifs, les manœuvres et les stratégies que l’enseignant ou l’artiste met en œuvre pour faire ressentir, faire connaître, faire interpréter et faire créer des danses. La quatrième partie FAIRE APPRÉCIER étaye la démarche d’appréciation esthétique et critique en danse, tout en prenant en compte la culture populaire. Elle aborde en outre la danse dédiée au jeune public, la représentation des jeunes devant le public et l’accès au patrimoine chorégraphique pour faire apprécier.

Cet ouvrage vise à faire connaître les intentions de création d’artistes de théâtre dont les spectacles ont été présentés lors de la Biennale Zones théâtrales 2015. Il s’adresse tant au public qui suit avec attention l’évolution théâtrale de la francophonie canadienne qu’aux artistes professionnels et aux diffuseurs qui y participent. Conçue au sein du Centre national des Arts, sous la direction artistique de René Cornier, cette biennale a constitué un témoignage de la richesse de créateurs et de l’imaginaire collectif de ce contexte. Pour nourrir le dialogue avec les artistes qui y ont pris part, un ensemble de chercheurs et d’auteurs passionnés de théâtre ont accepté de les rencontrer et d’écrire à partir de ce qu’ils avaient à dire parce que trop peu d’écrits documentent les processus de création qu’ils ont mis en œuvre. C’est ainsi que chacun des chapitres de cet ouvrage permet de mieux comprendre les sous-textes des spectacles et des lectures présentés lors de la biennale 2015 et d’en saisir la portée artistique et sociale.

Cet ouvrage a pour objectif de présenter différentes dimensions du processus de construction identitaire d’étudiants et de praticiens spécialisés en enseignement de l’une ou l’autre des disciplines artistiques enseignées à l’école. Quatre chercheuses de trois universités, formatrices d’enseignants d’art dramatique, d’arts plastiques, de danse et de musique, se penchent sur plusieurs parcours de développement professionnel. En mettant en valeur la parole d’enseignants et d’étudiants, elles investiguent le concept d’identité sous l’angle de sa construction dans le but de mieux la comprendre et d’en exposer ses fondements. Elles présentent des résultats de leurs recherches respectives et souhaitent interpeller le lecteur sur : son propre parcours; ses questionnements; ses projections; ses inquiétudes et ses motivations en abordant la construction identitaire qui est exposée en quatre phases déterminantes : s’orienter, se construire, s’engager, concilier. L’ouvrage s’adresse aux futurs enseignants des arts, aux enseignants en exercice, aux enseignants-associés, aux chercheurs en éducation artistique, aux conseillers pédagogiques, aux formateurs universitaires ainsi qu’à toutes autres personnes intéressées par la question identitaire.

C’est afin d’interroger les pratiques d’éducation artistique, d’examiner les savoirs émergents et d’en exposer des fondements laissant entrevoir les perspectives d’avenir de la recherche que le livre Réfléchir à la formation artistique a pris forme. Il réunit pour la première fois dans un même ouvrage vingt-cinq chercheurs engagés à former les futurs enseignants spécialistes en art dramatique/théâtre, en arts visuels/arts plastiques, en danse et en musique et ce, dans sept universités et collèges francophones du Québec et de l’Ontario. S’adressant à toute personne qui s’intéresse à la formation artistique en milieu scolaire et en contexte postsecondaire, il présente un ensemble de réflexions en trois parties. La première se centre sur la réflexion émergeant de savoirs. La deuxième approfondit la réflexion sur des problématiques et des fondements en éducation artistique tandis que la troisième fait part d’une réflexion au sujet de programmes et de cours dans ce domaine.

Cinq parcours identitaires d’enseignants en art présente une image singulière d’enseignants en arts plastiques au secondaire. Les parcours professionnels de ces enseignants, distincts les uns des autres par leurs pratiques artistiques, leurs positions pédagogiques, leur engagement social, leurs convictions profondes, leurs motivations à devenir enseignants et celles à le demeurer, dessinent des trajectoires empreintes de lucidité, d’humanité, de créativité et de désir de réalisation. Ils laissent voir plusieurs avenues d’intégration à la profession, différents processus d’identification ainsi que de multiples façons de faire interagir la pratique artistique et la pratique éducative. La création de soi, l’identité, y est vue comme un processus qui s’inscrit dans la circulation continuelle des mouvements paradoxaux qui oscillent entre la migration et l’enracinement, la différenciation et l’identification, le rapport à soi et le rapport à autrui, les moments reconstruits par la mémoire et ceux qui sont insufflés de projets.

Cet ouvrage témoigne d’un désir de comprendre les processus de création, de développement professionnel et de recherche mis en oeuvre lors de la biennale Zones théâtrales 2013. Il s’adresse tant au public qui suit avec attention l’évolution théâtrale de la francophonie canadienne qu’aux artistes professionnels et aux diffuseurs qui y participent. Conçue au sein du Centre national des Arts sous la direction artistique de René Cormier, cette biennale a donné lieu à un feu roulant d’activités inscrivant les créations présentées dans un imaginaire collectif. Pour ouvrir le dialogue, un ensemble d’auteurs passionnés de théâtre ont accepté de se mettre à l’écoute de ce qui s’y passe, d’assister aux spectacles, de rencontrer des artistes et d’écrire sur ses multiples dimensions. Ce dialogue, qui entoure la création, devient au fil des chapitres source motrice, car il incite à la réflexion et permet de mettre en évidence la manière dont une recherche qualitative/interprétative peut être réalisée dans un contexte d’événement artistique.