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This book offers the first in-depth study of Attic funerary monuments during the geometric, archaic, and classical period. The analysis of forms, images and inscriptions shows, from an anthropological perspective, the Athenian attitude towards death in its fundamental difference to Christian occidental views.

The book, which was originally published in German, is revised.

This book assesses the role of relief in the representation of space in Graeco-Roman artistic practice and its study – from Winckelmann to the mid-twentieth century – when Classical art developed as a theoretical discipline. The role of relief in the history of ancient sculpture has long been acknowledged, yet the problems posed by an engagement with the representation of space have not been a subject of specific and sustained inquiry. Neither a conventional history nor a comprehensive historiography, this book traces the study of relief – of its formal character, its artistic purpose, its aesthetic significance, and its historical treatment. The contribution to scholarship is three-fold: (1) By means of a wide array of examples, the book demonstrates that the visual strategies employed to represent space during the Graeco-Roman period were a continuously evolving repertory tied to the refinement of techniques and the transformation of styles that those techniques brought into being. (2) It examines ideas now commonplace, based on scholarship now long-neglected if not completely forgotten. And (3) it reveals how competing interpretations of the representation of space in relief elaborated new approaches to the monuments and their representations.

The book presents a broad survey of Greek votive terracotta figurines, a class of votives where previous scholarship has mainly consisted of research in specific sites and collections. They have traditionally been interpreted as inexpensive and inconspicuous votives for everyday use, but this study questions whether this is in fact the case.

By introducing the theoretical model of chaîne opératoire for a life cycle study of the votive figurines the book moves through the stages of production, distribution, use and discard of the votives, the latter both in the sense of practical discard and in the end of use. The study is based on a selection of case studies and surveys of relevant material, allowing for in-depth analyses of the terracottas in those life stages of shifting contextual interactions.

The approach furthers new knowledge on several levels, such as the value of the terracottas, their suitability and their popularity as dedications, their iconography and symbolism, the general votive practice, and the end of the terracotta practice. As such, the book is relevant for all who seek insights on terracotta figurines, votive offerings, ritual practice, as well as those interested in archaeological methodology, theory and contexts.

Sur les vases attiques, les fleurs opèrent en tant qu'ornements, agents figuratifs et signes polyvalents. Véhiculant des sensations à la fois visuelles, olfactives et tactiles, elles investissent l'image d'un faisceau de valeurs associées aux notions grecques de kosmos (parure, ordre, arrangement), de poikilia (bigarrure) et de kharis dans toutes ses déclinaisons incarnées par les Kharites : Aglaïè, Thaliè et Euphrosynè.

Figurines exhibiting a distorted appearance were exceptionally à la mode in the Hellenistic and Roman periods. Archaeologists have attributed a wide gamut of functions to them. The underlying common denominator of all the propounded theories is that the purpose of these images was the lampoon and degradation of the dregs of society and of the physically deformed. This book argues that such statuettes conversely carried deeply positive meanings.

From gleaming hardstone statues to bright frescoes, the unexpected and often spectacular Egyptian objects discovered in Roman Italy have long presented an interpretive challenge. How they shaped and were shaped by religion, politics, and identity formation has now been well researched. But one crucial function of these objects remains to be explored: their role as precious goods in a collector’s economy. The Romans imported and recreated Egyptian goods in the most opulent materials available – gold, gems, expensive wood, ivory, luxurious textiles – and displayed them like true treasures. This is due in part to the way Romans encountered these items, as argued in this book: first as dazzling spolia from the war against Cleopatra, then as costly wares exchanged over the expanding Roman trade routes. In this respect, Romans treated Egyptian art surprisingly similarly to Greek art. By examining the concrete mechanisms through which Egyptian objects were acquired and displayed in Rome, this book offers a new understanding of this impressive material at the crossroads of Hellenistic, Roman, and Egyptian culture.

The fact that most ancient marble portraits were once intentionally polychrome has always been lurking at the corners of art historical and archaeological research. Despite the fact, that the colours of the sculpted forms completed, enhanced and even extended the plastic shapes, the topic has not been devoted much dedicated attention. This book represents the first full-length academic monograph which explores the original polychromy of Roman white marble portraiture. It presents results from scientific analysis of portraits in statuary and bust formats dating to the first three centuries CE. The book also explores the cultural and social significance of colours in their original contexts, and how the immaterial affects of the polychrome, three-dimensional images can be integrated into the traditional research into ancient portraiture, which has tended to place overwhelming emphasis on iconography, typology and biography. By doing so the ancient sculpted marble form, as we know it, will be exposed and confronted, and the impact of manipulated material effects, that were meant to evoke a broad range of multisensory experiences, will be emphasized. The book puts forth a new way of analysis to be tested and developed in the future.

Die Ausstattung repräsentativer Tempel- und Schatzhausarchitektur mit Bauskulpturen ist ein Phänomen, das vom 6. bis zum 4. Jahrhundert v. Chr. in Griechenland vielfältig anzutreffen ist. Die Akrotere auf dem Dach waren durch ihre Position besonders auffällig im Erscheinungsbild eines Gebäudes und nahmen damit entscheidenden Einfluss auf seine Wahrnehmung im Kontext des Heiligtums. Die vorliegende Arbeit untersucht die ästhetische und bildliche Konzeption von figürlichen Akroterbildern sowie ihre Wirkung in engem Zusammenhang zu ihrem architektonischen und historischen Kontext. Im Mittelpunkt steht demnach die Frage danach, was diese Bilder für das Gebäude und seine Auftraggeber leisteten. Gleichzeitig werden als Grundlage für diese Fragen auch die Dächer in den Blick genommen, die etwa Auskunft darüber geben, wie Akrotere befestigt und wie sie genau positioniert wurden. Die verschiedenen Konzepte der Akroterbilder und die Umstände ihrer Verwendung geben Einblick in die Potenziale eines Bildfeldes in der griechischen Architektur, das einerseits für die ästhetische Gestaltung und Charakterisierung des Gebäudes, andererseits auch für die Repräsentation der Auftraggeber einen entscheidenden Beitrag leistete.

Als scheinbar unverfänglicher terminus technicus ist der Begriff des Attributs in den Bildwissenschaften bisher theoretisch unterschätzt. Ziel dieses Buches ist es, grundsätzliche Problematiken in griechischen Bildern aufzuzeigen, welche sich am Attribut kristallisieren und mit denen die Bilder (und ihre modernen Interpreten) in immer neuen Strategien einen Umgang finden mussten: die Zeit(lichkeit)en im Bild und die Frage nach der Identität. Die Untersuchung ist nicht auf eine einzige Denkmälergattung beschränkt, sondern greift in gezielten, nahsichtigen Fallstudien auf unterschiedliche Bildmedien zu, mit einem Schwerpunkt auf der attischen Vasenmalerei und der Rund- und Bauplastik. Der Untersuchungszeitraum ist auf das 6. und 5. Jahrhundert v. Chr. fokussiert, mit einzelnen Rückbezügen auf frühgriechische und Ausblicken auf hellenstisch-römische Bilder. Auf Fragen des diachronen Wandels liegt ein besonderes Augenmerk. Bezogen auf ein im bildwissenschaftlichen Diskurs marginalisiertes Bildelement, wirft die Untersuchung grundlegende Fragen der Geschichte der Bilder und der Methode ihrer Interpretation auf, und wendet sich damit über die Klassische Archäologie hinaus auch an die Kunstgeschichte.

Das Buch erzählt die Geschichte der Elite Athens zwischen 600 und 400 v. Chr. anhand der Bilder auf der Luxuskeramik, aus der die Reichen bei ihren Festen tranken. Über 6000 ausgewertete Darstellungen liefern Erkenntnisse über das Leben der Elite als Pferdehalter, Athleten und Bankettgesellschaft. Der Bildanalyse ist ein kulturgeschichtlicher Teil vorangestellt ist, der die Elite über die Historie und sozioökonomische Aspekte definiert.

Darstellungen des Dionysos und seines Kreises zieren zu Tausenden die bemalte Feinkeramik aus dem klassischen Athen. Die Studie unternimmt eine umfassende Deutung dieser außerordentlich wandelbaren Bildwelt und geht insbesondere der Frage nach, welche Funktion sie für ihre Betrachter im Kontext des Trinkgelages erfüllte, für das ein Großteil der Gefäße gefertigt war. Nach Klärung der quellenkritischen Voraussetzungen werden abschnittsweise zentrale Problemfelder behandelt: die Konstruktion von Körperbildern und Geschlechterrollen; das Verhältnis der Bilder zum Bühnenwesen; die soziale Funktion von Mythenbildern; das komische Potential der Satyrfigur; das Spannungsverhältnis von Bild, Bildträger und dionysischem Ritual. Gemessen an der literarischen Überlieferung betonen die Darstellungen die freudvolle Dimension des Gottes. Dies gilt namentlich für die vielen allegorischen, parodistischen oder utopischen Bildfindugen, die den Sinnhorizont dieser Ikonographie weit über die zuletzt stark betonten Deutungsparadigmen von Identität und sozialer Norm hinaus ausdehnen. Zugleich wird nachvollziehbar, wie das Bildergeschirr in die kommunikativen Prozesse des Trinkgelages hineinwirkt und aktiv zu diesem komplexen sozialen Ritual beiträgt.

Die Monographie arbeitet erstmals an den Formen, Bildern und Inschriften der attischen Grabmäler die Athener Haltung dem Tod gegenüber, ihren Wandel in der geometrischen, archaischen und klassischen Zeit (1000–300 v. Chr.), und den grundsätzlichen Unterschied von der christlich-abendländischen heraus.

Gleich bleibt in den drei Epochen, dass es nicht um die Erlösung im Jenseits geht; es gilt das homerische Geras thanonton: die Pflicht der Lebenden, die Toten zu ehren und die Erinnerung an sie wach zu halten. Dieser diesseitigen Pflicht entsprechend gibt es keine Friedhöfe; die Gräber säumen die Straßen außerhalb Athens, damit Passanten vor ihnen halten und das Geras thanonton vollziehen.

Die geometrischen Gräber zeigen Bilder der rituellen Ehrung des Toten, der namenlos bleibt. Bei den archaischen kommt das benannte Bildnis des Toten auf sowie die Grabepigramme, die die Passanten in eine Performance des Geras thanonton involvieren.

In der Klassik errichtet die Polis kollektive Kriegergräber im demosion Sema. Die privaten Gräber, nun vorrangig Familienbezirke, und die Grabepigramme zeigen die neue Bedeutung der Familie. Die kontrapostischen Grabrelieffiguren wirken wissend um den eigenen Tod und den Tod des Anderen, und es gibt neuartige Gruppen von Toten und Hinterbliebenen.

Diese anthropologische Betrachtung der attischen Grabmäler lässt viel über die lebenden Athener jener Jahre erkennen.

Zu den beliebtesten Bildthemen römischer Friessarkophage gehört der blutige Kampf zwischen Amazonen und Griechen. Anders als lange vermutet, ging es den Auftraggebern dieser Sarkophage nicht in erster Linie um den glorreichen Sieg der Griechen, sondern um das grausame Todesschicksal der schönen Kriegerinnen, das paradigmatisch auf den eigenen Trauerfall bezogen werden sollte. Die Studie zu den stadtrömischen Amazonensarkophagen macht das umfangreiche, zwischen 120 und 320 n. Chr. entstandene Bildcorpus erstmals als Quelle für die Diskussion wesentlicher Aspekte der Körpergeschichte, der Geschichte der Ästhetisierung von Gewalt und der Medialisierung von Affekten nutzbar. Die Analyse dieser Themenfelder gibt Aufschluss über einschneidende mentalitätsgeschichtliche Veränderungen im Umgang mit Trauer und Tod am Übergang von der Hohen Kaiserzeit zur Spätantike. Grundlage der Untersuchung bildet die Erörterung grundsätzlicher Fragen zu Verwendungsmodi und Aktualisierungsstrategien mythologischer Bilder in der römischen Sepulkralkunst. Dabei liegt der Fokus auf den deutlich ausgeprägten, in jüngeren Studien jedoch oft vernachlässigten narrativen Qualitäten der dramatischen Mythenbilder.

This book analyses the stylistic, iconographic and historical aspects of the Chigi vase, the famous Protocorinthian olpe dating back as early as ca. 650 BC. The vase is the masterpiece of the Chigi Painter, a skilful vase-painter who was acquainted as well with the big size Corinthian painting. The different themes, which run along the three main friezes, link each other in order to build up a true iconographic program: its key point is the distinction between the lower frieze for the ephebes’ paideia and the two main friezes which show the Corinthian elites through their activities – either real or symbolic ones – and distinguishing attributes. Paris’ judgment is meant as part of this iconographic program as it shows, through a mythical paradigm, a necessary step of the life, i.e. the wedding, as well as the risks that it involves. The socio-political interpretation of the iconographic program opens the historical question of which system could be implied, as the vase was painted in a critical moment of Corinthian history, i.e. in the period when Kypselos became tyrant and exiled the Bakchiads. Finally, on the background of Demaratus’ tradition, the analysis investigates a possible scenario for the arrival of the Chigi olpe in the hands of an Etruscan prince of Veii, in whose tumulus it was found in 1882.

Il libro è dedicato all’olpe Chigi, il celebre vaso protocorinzio della metà del VII sec. a.C., di cui vengono analizzati gli aspetti stilistici, iconografici e storici. Il pittore è un abilissimo ceramografo, che dimostra anche una contiguità con la prima pittura corinzia di grande formato. Il programma iconografico dell’olpe esprime l’ideologia ed il contesto storico della committenza, ponendo il problema di quale società vi sia riflessa, in un momento critico della storia di Corinto, quello che conosce il passaggio dall’oligarchia alla tirannide.

Die Marc Aurel-Säule ist mit ihrem figurenreichen Fries ein Schlüsselmonument römischer Repräsentationskunst. Da sie selbst in der aktuellen Forschung stets im engen Vergleich mit der Trajanssäule betrachtet wird, steht eine systematische Analyse des Bildmaterials noch aus. Die vorliegende Arbeit gibt die scheinbar selbstverständliche Prämisse dieser Vorrangstellung auf und nimmt die Marc Aurel-Säule als eigenständiges Denkmal in den Blick. Die Analyse der Formen kaiserlicher Repräsentation folgt dabei nicht der immer noch weit verbreiteten Annahme, dass kaiserliche Handlungsszenen primär als bildliche Chiffren für abstrakte politische Begriffe und Tugendvorstellungen zu verstehen sind. Vielmehr werden die Szenen von Profectio und Marsch, der Ansprache, des Opfers, der Unterwerfung sowie der Begegnung und Interaktion zwischen dem Kaiser und den Fremden daraufhin untersucht, welche (neuen) ikonographischen und narrativen Mittel zur Selbst-Darstellung des Kaisers eingesetzt worden sind. Dadurch lässt sich zeigen, wie wenig die Etikettierung der Szenen durch Wertbegriffe wie virtus, clementia oder pietas den vielfältigen Bildentwürfen gerecht wird - und wie eigenständig und innovativ das Reliefband der Marc Aurel-Säule tatsächlich ist.

Im Zentrum sozialer Kommunikation steht der menschliche Körper. Die Entdeckung des menschlichen Körpers und seiner Rollen in Bildern Athens im 8. und 7. Jahrhundert v. Chr. eröffnet uns einen wichtigen Diskurshorizont dieser Gesellschaft. Indem der erste Teil des Buchs den Bildthemen – etwa Aufbahrung und Kampf – gilt, ist es möglich, Formen der wechselseitigen Beeinflussung von Körperbild und sozialer Rolle zu bestimmen. Der zweite Teil führt die Beobachtungen zu einer systematischen Analyse zusammen. Hier geht es um das „Framing“ der Körperbilder: kontextuell, medial, thematisch, formal. Auf dieser Grundlage werden die sich wandelnden Körper- und Rollenbildkonzeptionen aus einer vergleichenden Perspektive analysiert. Dabei kommen die visuelle Semantik der einzelnen Körperteile, aber auch der sich ändernden Körperbilder als Ganzes in den Blick, um diese zu sich wandelnden Rollenvorstellungen in Beziehung zu setzen. Eine Geschichte der Körperbilder läßt sich auf dieser Grundlage zu einer Kulturgeschichte der frühen Gesellschaft Athens verdichten.

Dieser Band behandelt die Schaffung von häuslichem Raum sowie kulturelle Fragen zu Privatsphäre und Selbstdarstellung in der römischen Antike. Im Zentrum der Diskussion steht eine Gruppe prachtvoller Räume, in denen Grundriss, Architektur und Dekor auf die Anwesenheit von ein oder zwei Betten bzw. Liegen hinweisen. Für Untersuchungen dieser Art bilden die Ausgrabungen von Pompeii mit ihrer Konzentration von auswert- und vergleichbarem Material eine bedeutende Datenquelle. So enthüllen die Ruinen das einzigartige Zusammenspiel von Raum, Einrichtung und Lebensstil und zeigen, wie auf diese Weise die soziale Kommunikation geformt und gefördert wurde.

Nikolaus Dietrich legt ein neues Modell zum Verständnis der Räumlichkeit griechischer Bilder vor, das er anhand der Analyse von Landschaftselementen in der attischen Vasenmalerei des 6. und 5. Jh. v.Chr. entwickelt. In nahsichtigen Untersuchungen werden Motive wie Bäume, Felsen und Geländelinien in ihrer konkreten medialen Bedeutung erschlossen. Dabei erweist sich unser neuzeitliches Verständnis von Landschaftsraum als gänzlich ungeeignet für das Verständnis: Die Landschaftselemente bilden keine Räume ab, sondern sind integrierender Bestandteil der Figurendarstellung auf der Vase. Der Raum der griechischen Bilder stellt insofern keine Vorstufe, sondern eine grundsätzliche Alternative zu dem Bildraum dar, der uns seit der Renaissance geläufig ist. Damit wird die kulturelle Bedingtheit unseres Sehens deutlich.

Von den Insignien römischer Kaiser ist der Kranz im Bild am häufigsten belegt. Er war für die Darstellung des Kaisers von zentraler Bedeutung. Dennoch hat die altertumswissenschaftliche Forschung dem Kranz des Kaisers bisher wenig Aufmerksamkeit geschenkt. Diese Lücke schließt das Buch von Birgit Bergmann. Gestützt auf die archäologische und schriftliche Überlieferung analysiert und interpretiert sie zum ersten Mal systematisch die Formen, die Funktionen und die Bedeutungen der Kränze römischer Bilder (vornehmlich) des Kaisers. Im Mittelpunkt der Untersuchung stehen Lorbeer- und Eichenkränze. Zentrale öffentliche Kontexte ihrer Verwendung und Wahrnehmung waren der Kult, der Triumph und das Militär, hier vor allem die Verleihung von Kränzen als dona militaria . Chronologisch umspannt das Buch die Zeit von der Republik bis hin zu Traian. Die dabei gewonnenen Erkenntnisse erlauben es, auch die Geschichte des wichtigsten kaiserlichen Kranzes neu zu schreiben: der corona civica des Augustus. Hier steht die bisher so noch nicht gestellte Frage im Mittelpunkt: Warum verlieh der römische Senat dem späteren Augustus ausgerechnet eine corona civica?

Gibt es eine Beziehung zwischen Bildern an der Wand und der Tapete im Kopf ihrer Betrachter? Und wie könnte sich eine derartige Beziehung methodisch greifen lassen, welche soziohistorischen Aspekte ließen sich aus ihr gewinnen? Mit der kontextuellen Analyse von Mythenbildern in pompeianischen Wohnhäusern entwickelt Katharina Lorenz ein neues, stimulierendes Modell zur Beantwortung dieser in unserer Iconic Turn Gesellschaft zentralen Fragen.
Gegen die quantifizierende und generalisierende Betrachtungsweise früherer Untersuchungen ist eine konsequente kritisch-ikonologische Analyse der Mythenbilder gesetzt. Im Zentrum steht das Bild und seine Gestaltung im Detail und in der Kombination mit anderen Bildern. Wesentlicher Schwerpunkt liegt auf den Strategien der Bilderzählung und ihren Einfluss auf die Erzeugung unterschiedlicher Raumatmosphären.
Aus der kontextuellen Analyse der Mythen ergibt sich eine neue Perspektive auf römisches Wohnen, und gleichsam auf den Kommunikationsfaktor „Mythos“, durch welchen Ideale und Wünsche der Betrachter im Wohnbereich nicht in eine Märchenwelt ausgelagert, sondern für einen intensiven Diskurs organisiert werden. Damit leistet die Studie einen wesentlichen Beitrag zur Bildanthropologie der frühen Kaiserzeit.

Bildfriese mit aneinander gereihten Monstern und Wildtieren sind ein Leitmotiv in der frühen Bilderwelt der Griechen (etwa 700 bis 550 v. Chr.). In dem Buch geht es um die Aneignung der Monster-Ikonographie aus dem Orient sowie ihre spezifische Ausformung in der damals führenden Luxuskeramik von Korinth. Lorenz Winkler-Horaček entdeckt das von den Vasenmalern entwickelte Regelsystem, nach dem die Monster und Wildtiere geordnet sind. Damit eröffnet er eine neue anthropologisch-historische Perspektive: die Monster symbolisieren das Unheimliche der Wildnis jenseits der griechischen Zivilisation. Mit der Rationalisierung des Unfassbaren entwickelte Korinth eine Ikonographie, die in der Phase der Konsolidierung der griechischen Polis und in Zeiten der Kolonisation Maßstäbe setzte.

Das Komische ist ein wesentliches Element jeder Kultur. Es entfaltet seine Wirkung im Spiel mit geltenden Normen, im gezielten Überschreiten der von Anstand und Sitte gesetzten Grenzen, im Unterlaufen der Gesetze einer herrschenden Logik. Seinen Platz findet es vor allem im Performativen, so dass Fest, Tanz und (Schau-)Spiel seine natürlichen Orte sind.

Zum ersten Mal in der Geschichte des Bildes wurde in der korinthischen Vasenmalerei des 7. Jahrhunderts v. Chr. eine Ikonographie des Komischen entwickelt. Detlev Wannagat versteht es, den Blick für diese ersten Entwürfe komischer Figurentypen zu öffnen. Prägnant analysiert er, wie diese Darstellungen im archaischen Griechenland eingesetzt und wahrgenommen wurden. Die bislang vernachlässigte Nahsicht auf die neuen Figurentypen erweckt den erstaunlichen Esprit und überraschenden Witz dieser Bildschöpfungen. Aus dieser anthropologisch zugespitzten Perspektive wirft Detlev Wannagat neues Licht auf die gesellschaftlichen Wertvorstellungen, die in den Bildern des Komischen gebrochen und spielerisch präfiguriert werden. Die griechische Kultur erweist sich auch auf diesem Gebiet als eine Bildkultur, die ungemein kreativ und prägend wirkt.

Die höchste Ehre, die ein römischer Bürger sich erhoffen konnte, war eine Porträtstatue auf dem Forum seiner Stadt. Während der Kaiser und hohe Senatsbeamte regelmäßig mit solchen Statuen geehrt wurden, war die Konkurrenz unter den Wohltätern der Städte um diese Ehrung groß: ging es doch um nicht weniger, als die Erinnerung an den geehrten Patron und seine Familie über Generationen hin öffentlich zu verkünden und zu verewigen. Zwar gab es viele Möglichkeiten, sich eine Porträtstatue zu verdienen; die lokalen Honoratioren mussten jedoch oft bis nach ihrem Tod warten, bevor ihre Hoffnung darauf von der Öffentlichkeit erfüllt wurde. Jane Fejfer weist zum ersten Mal nach, wie grundsätzlich unser Verständnis und unsere Wahrnehmung von römischen Porträtstatuen erweitert werden, wenn wir folgende Faktoren einer systematischen Analyse unterziehen: den historischen Kontext, die ursprüngliche Aufstellung, die Entsehungsbedingungen von Herstellung und Stil – und den Sockel, auf dem in vielen Fällen ein Text angebracht war, der die suggestive Wirkung des Bildes durch eine eigene Rhetorik ergänzte.

Nur wenige Bilder beschäftigen und polarisieren die gesellschaftliche Diskussion unserer Zeit so sehr wie Darstellungen von Gewalt. Mediale Gewalt wird dabei meist als unmittelbarer Ausdruck von Einstellungen zur Gewalt begriffen, als Instrument zur Verarbeitung von Gewalterfahrungen und als Stimulans zur Entfaltung von Aggression.

Diese Zusammenhänge untersucht Susanne Muth an einem Schlüsselbefund: den zahllosen Gewaltdarstellungen auf der Luxuskeramik des archaischen und klassischen Athen. Dort wurde zum ersten Mal in der Geschichte der Kunst eine differenzierte Ikonographie der Gewalt entworfen, deren Spuren bis in unsere Zeit reichen. Um diese Ikonographie analysieren und interpretieren zu können, entwickelt Susanne Muth neue Ansätze einer historische Interpretation von medialer Gewalt. In faszinierender Nahsichtigkeit erschließt sie die neue Ikonographie der Gewalt (Krieg, Mythos, etc.) und führt auf dieser Grundlage in die komplexen Strukturen der Gewaltdarstellungen der Athener ein. Das Ergebnis ist ein neues und überraschendes Bild vom Umgang der Athener mit ihren Erfahrungen und Darstellungen von Gewalt – ein Bild, das unserem heutigen Umgang mit (medialer) Gewalt sehr fremd ist.